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Frostpunk 2 | Análise

Diogo Batista — Fri, 31 Oct 2025 21:40:09 +0000

Frostpunk 2 chegou ao Xbox Series S expandindo tudo que o primeiro jogo trouxe, mas sem medo de mudar a vibe. Agora não é só manter um gerador aceso no meio da neve, é reconstruir uma civilização inteira prestes a desmoronar. O frio ainda está ali, mas o perigo maior é humano: até onde você vai para manter o controle quando tudo começa a derreter? Isso deixa o jogo mais político, mais pesado, e até meio incômodo às vezes.

O clima de urgência do primeiro título dá lugar a uma tensão constante. Frostpunk 2 não quer só que você sobreviva, ele quer que você pense. E, sinceramente, nem sempre é gentil com quem tenta fazer o “certo”.

Reprodução: 11 bit studios

Um mundo congelado, mas vivo

Mesmo no Series S, o jogo impressiona. As paisagens são lindas e opressivas, e a cidade parece respirar fumaça, poeira e desespero. O console segura bem o tranco, com quedas de quadro aqui e ali quando a cidade fica cheia, mas nada que atrapalhe a imersão.

A direção de arte continua sendo o ponto alto. Cada prédio, cada camada de gelo, cada detalhe da cidade transmite o peso do tempo e da decadência. Não é bonito no sentido tradicional, mas é poderoso — e é isso que importa.

Reprodução: 11 bit studios

O peso de governar o que sobrou

A maior diferença aqui é o escopo. Você não é mais só o cara tentando manter a chama acesa; agora é um governador lidando com políticas, ideologias e sobrevivência. É sobre conflitos internos, desgaste do poder e consequências de cada decisão.

O sistema político é o coração do jogo. Cada lei que você aprova, cada discurso ou reforma muda a forma como a sociedade reage. Às vezes, fazer a coisa certa custa caro demais, e o jogo adora te lembrar disso. É pesado, sim, mas também te faz pensar e deixa a experiência mais rica.

Controles e adaptação no Series S

Pra quem, como eu, prefere jogar no sofá, o jogo funciona bem. Os menus foram adaptados para o controle, e o sistema radial é fácil de pegar. Claro que, vindo do PC, é natural precisar de um tempo pra se acostumar, mas nada que frustre a jogatina.

O Series S cumpre seu papel, oferecendo uma experiência estável, confortável e perfeita pra quem gosta de planejar cada decisão com calma.

O som é outro nível. O vento cortando o gelo, os murmúrios do povo, o som dos maquinários, e a trilha orquestrada criam uma atmosfera sufocante. Às vezes, o silêncio é o que mais incomoda — e é justamente aí que o jogo te lembra do peso das decisões.

Reprodução: 11 bit studios

Frio, escolhas e humanidade

Jogar Frostpunk 2 no Xbox Series S é mergulhar numa experiência densa, que te prende pelas ideias mais do que pela ação. Não é um show técnico, mas é um espelho do que somos quando tudo desaba.

Se o primeiro Frostpunk era puro desespero físico, o segundo é desespero moral. Mais lento, mais estratégico, mais reflexivo. Pra alguns, pode parecer menos emocionante; pra outros, é exatamente o que faz o jogo ser especial. A tensão não é imediata, mas é constante, e cada escolha pesa.

E, claro, estar disponível no Xbox Game Pass deixa tudo mais fácil: você pode mergulhar nessa tensão sem compromisso e explorar cada decisão com calma.

Frostpunk 2 não é pra relaxar. É teste de moral, de empatia e de liderança. E no fim das contas, o frio que mais dói não é o da tempestade, e sim o das escolhas que você tem que fazer.

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RAIDOU Remastered: The Mystery of the Soulless Army | Análise

Tony Santos — Sun, 29 Jun 2025 19:43:56 +0000

Shin Megami Tensei: Devil Summoner – Raidou Kuzunoha era uma duologia de jogos feitos pela Atlus para o PlayStation 2, que misturavam a mitologia da série Shin Megami Tensei com um gameplay de ação, ao invés da convencional batalha de turnos.

Outro detalhe interessante é que normalmente os jogos desse universo se passam no tempo presente ou em um futuro próximo. Já no caso de Raidou Kuzunoha, a história se passa em um 1931 alternativo (ano 20 da Era Taishou, que nunca existiu), numa Tóquio alternativa e estilizada, cheia de tecnologia steampunk e misticismo.

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Em 2025, a Atlus lançou RAIDOU Remastered: The Mystery of the Soulless Army, que apesar do nome, não se trata de uma remasterização como estamos acostumados, e sim um remake feito do zero, mas será que as mudanças são tão significativas em relação ao game original?

História

Você controla o jovem que acabou de herdar o título de Raidou Kuzunoha XIV, um detetive oculto e invocador de demônios. Ele trabalha disfarçado como assistente na Agência de Detetives Narumi, resolvendo casos sobrenaturais.

Tudo começa quando uma jovem misteriosa chamada Kaya Daidouji aparece pedindo para ser morta. Logo em seguida, ela é sequestrada por soldados com armaduras futuristas — a Soulless Army (Exército Sem Alma).

Com ajuda de seu gato falante Gouto-Douji e de demônios aliados, Raidou precisa salvar Kaya, impedir que o Capitão Rasputin e o exército do futuro alterem o curso da história e proteger Tóquio de uma catástrofe espiritual e tecnológica.

Toda narrativa do jogo gira em torno desse primeiro ponto de roteiro, mas a trama vai evoluindo aos poucos ao longo dos seus capítulos, assim como seria uma história de uma série de TV.

Reprodução: SEGA / Atlus

Exploração

Em RAIDOU, você explora o mapa do jogo a pé, assim como nos jogos da série SMT ou Persona.

Essa estrutura foi mantida no remake, assim como os ângulos de câmera fixa ou semifixa. Mas a comparação entre essa versão e a antiga fica para depois.

Além da história principal, é possível resolver pequenos “Case Files”, que funcionam como missões secundárias. Elas envolvem interações com NPCs e, muitas vezes, exigem o uso de demônios com habilidades específicas como Voar, Acender ou Atravessar.

Essas missões secundárias dão uma vida estendida ao jogo, e criam pequenos cenários onde Raidou precisa resolver certos puzzles e também fechar arcos de personagens que já

Diferente do jogo original, não é mais necessário trocar o demônio manualmente nos menus para usá-lo fora de batalha. Se você possuir o demônio certo, o jogo faz essa troca automaticamente. Essa é apenas uma das várias melhorias de qualidade de vida da nova versão.

A ambientação também é muito diferente do comum dos jogos da série Megaten, pois os diversos ambientes da cidade misturam o ruralismo do Japão recém-aberto às culturas ocidentais, com a sua industrialização que havia chegado para mudar as vidas das pessoas.

Você se locomove de bonde entre os diversos pontos da cidade e vê e interage com carros da época, ao mesmo tempo que explora áreas rurais e tradicionais do Japão, como templos, casas de banho, mansões antigas e por aí vai.

Reprodução: SEGA / Atlus

Combate

As batalhas acontecem em arenas. Você é transportado ao encontrar inimigos no mapa e tem controle total sobre Raidou, que conta com ajuda de até dois demônios.

Os inimigos podem aparecer em hordas ou sozinhos e o jogador precisa explorar fraquezas elementais para vencê-los.

Diferente dos Personas, atacar a fraqueza não derruba o inimigo, mas o deixa inerte por alguns segundos. Nessa janela, seus ataques causam mais dano e você acumula mais MAG (sua “energia mágica”).

Essa estratégia também é essencial para quebrar escudos, pois certos inimigos só são vulneráveis após perderem muita energia.

Essencial para o combate são o uso dos seus demônios, que podem ser trocados em qualquer momento durante a luta. Para conseguir novos monstros, você pode capturá-los como na imagem abaixo, ou fundi-los para conseguir bichos melhores.

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Os combos são importantes também, pois quanto maior o combo, mais rápido você pode encher a barra de MAG, e assim, executar mais ataques elementais com seus demônios, além do ataque especial de Raidou.

Se comparado com o combate do jogo de PS2, as mudanças foram gigantes. No game original, Raidou tinha um único combo, acesso a somente um demônio por vez e era isso o jogo inteiro. Essa parte foi bastante expandida e isso talvez seja a mudança mais significativa dessa versão.

Ainda assim, o jogo ainda dá a sensação de que os inimigos são esponjas de dano, e o único indicativo de que os inimigos estão tomando dano é a própria barra de energia deles.

Em poucos momentos você é punido por atacar sem parar. Desde que esteja usando as skills e os demônios com elemento certo, na maior parte das vezes dá pra levar as lutas como uma batalha de Dinasty Warriors, onde atacar sem parar tem quase nenhum impacto negativo, mesmo em dificuldades altas.

Reprodução: SEGA / Atlus

O arsenal inclui ataques elementais com as armas de Raidou, o revólver (que interrompe ataques ou faz os inimigos pararem de se mexer) e ataques especiais como Devil’s Bane e Spirit Slash. Esses são ativados após esquivas perfeitas ou acúmulo de dano.

Apesar de parecer simples, o combate é cheio de nuances. Você pode recuar demônios, esquivar, defender e gerenciar recursos.

Ataques fracos geram MAG, que alimenta habilidades suas e dos demônios. Eles usam magias sozinhos, mas também podem ser comandados para atacar e gerar mais MAG.

A chave é equilibrar uso de magia e ataques físicos para explorar fraquezas.

Reprodução: SEGA / Atlus

Fusão de demônios (e de armas)

A fusão de demônios funciona como nos outros títulos da Atlus: combine dois demônios para gerar um novo.

A fase da lua e as habilidades herdadas influenciam nas fusões. Outro ponto importante são as “Ordens” dos demônios, como a Volt, que permite usar a habilidade de “Investigação” fora do mapa.

Agora é possível fundir demônios sem que seu nível de Lealdade esteja no máximo, como era no jogo original. A barra de Loyality agora serve para que o demônio tenha chance de te dar um item após ser fundido.

As armas também podem ser fundidas com itens obtidos no jogo. Isso lembra uma árvore de habilidades, onde cada nova arma exige materiais e a anterior como base.

Elas se dividem em Espadas, Lanças e Machados, com tipos diferentes de combos. Isso oferece mais variedade que o sistema limitado do original.

Reprodução: SEGA / Atlus

Mudanças do Remake (e não “Remaster”)

Claramente a Atlus escolheu dar o nome de Remastered para o título pois sabe que jogos que são classificados assim têm uma saída muito grande, porém, a realidade é que essa versão de Raidou foi feita do zero.

Temos sim algumas coisas da versão antiga sendo utilizadas, como algumas animações, que foram renderizadas novamente, mas usando os mesmos assets da versão original. Além disso, provavelmente alguns modelos dos demônios são reutilizados de jogos recentes, como de Persona 5.

As principais mudanças incluem:

Dublagem completa em inglês e japonês (é possível remover as vozes para deixar o jogo como no original);
Autosave e possibilidade de salvar manualmente;
Cenários totalmente em 3D (antes eram pré-renderizados);
Combate reformulado com possibilidade de travar a mira, dois demônios simultâneos e mais profundidade;
Troca automática de demônios e objetivos marcados no mapa;
Falando em mapa: agora temos um minimapa no canto, acabando com problemas de orientação causados pelos ângulos de câmera fixos;
Viagem rápida por bondinho instantânea para locais específicos;
Mais de 120 demônios (ao invés dos 70 do jogo original) e opção de ter duplicatas na equipe.
Novos modos de dificuldade, sendo quatro disponíveis desde o começo e a mais difícil — “Detective Legend” — liberada após zerar o jogo uma vez.

Estilo de arte

O estilo de arte do jogo original lembrava muito os filmes mudos do início do século XX, com tons de sépia e a falta de dublagem. Houve um certo criticismo por parte de alguns fãs de longa data em relação às escolhas feitas para esse Remake, onde se usou mais cores vivas nas interfaces.

Particularmente, eu não tenho afeição ou apego pelo game original para achar ruim o fato de terem usado um verde-limão para destacar uma informação na tela aqui e ali.

De modo geral, o jogo inteiro ainda se inspira muito na estética dos anos 1920/1930. Desde a escolha das fontes quanto os menus, todos complementam o visual da história.

Inclusive, esse é um dos jogos modernos que mais traz à vida a arte de Kazuma Kaneko. Normalmente presente nos jogos de Persona somente através do design dos demônios, aqui os personagens humanos também têm arte feita por ele, assim como na série principal Shin Megami Tensei.

Todos são muito bem animados e os designs dos personagens são bonitos, mesmo sendo contidos, já que a ideia era capturar o visual mais básico e sério das pessoas daquela época.

Reprodução: SEGA / Atlus

Trilha sonora

Também é necessário dar destaque a trilha de Shoji Meguro em RAIDOU Remastered: The Mystery of the Soulless Army, que apesar de ser a mesma do jogo original, ainda é ótima. Ela lembra muito seus trabalhos da época, como em Persona 4 e Digital Devil Saga, e mesmo que o jogo tenha um tom totalmente diferente, as músicas casam muito bem com a narrativa, com elementos de jazz e rock.

As músicas são em geral as mesmas do original, mas estão com qualidade superior. Em alguns momentos, são usados novos arranjos, como até mesmo uma versão da música de batalha do primeiro Devil Summoner e o tema de batalha da Naomi do Devil Summoner: Soul Hackers, ambos para Sega Saturn.

Esses remixes são do álbum Devil Summoner: Hyper Rearrange Collection, que não foram feitas para o jogo em si, mas também são feitas pelo Shoji Meguro.

Pontos negativos

Apesar da qualidade geral, alguns problemas persistem. A navegação pode ser confusa no início. Algumas ruas não estão bem indicadas no submenu e nem sempre os objetivos estão marcados.

Menus durante as batalhas ainda são lentos. O direcional é usado para mover o personagem na exploração, mas poderia servir para atalhos.

Existem dois menus de pausa redundantes, o que atrapalha a fluidez. A habilidade de “Investigação” ainda precisa ser ativada manualmente, mesmo com demônio correto em campo, diferentemente de todas as outras habilidades do jogo.

A descrição de alguns Case Files (as missões paralelas) são óbvias demais, meio que dando a solução do caso de forma rápida ao invés de dar dicas que valorizem o quesito “detetive” do jogo.

Outro ponto negativo é a ausência de idioma português. É um caso estranho, pois todos os lançamentos recentes da SEGA, como Like a Dragon e Persona 3 Reload tiveram seus diálogos traduzidos, pelo menos em texto.

Desnecessário dizer que a barreira linguística é impeditiva para que mais pessoas joguem coisas que não sejam só Fortnite e Valorant. Portanto, o investimento valeria a pena para que a SEGA e a Atlus trouxessem fãs novos para seus jogos.

Sei que a minha geração aprendeu a jogar em inglês na marra, mas nós não tínhamos muita opção, né: era jogar em outra língua ou ir pra rua ver a grama crescer. As pessoas de hoje têm mais opções, e se as empresas não se igualarem em termos de acessibilidade em relação às outras, seus produtos vão continuar vendendo menos em mercados que não falam inglês.

São pormenores que não causam tanto problema, ainda mais depois que o jogador se adapta a eles, mas que poderiam ter sido ajustados durante os testes antes do lançamento.

Veredito

RAIDOU Remastered: The Mystery of the Soulless Army moderniza um clássico do PS2 com novos sistemas, visuais e combate profundo. Mesmo com pequenos problemas e ajustes que poderiam ter sido refinados antes do lançamento, o jogo entrega uma experiência sólida, envolvente e respeitosa com o material original.

A narrativa continua envolvente, o sistema de batalha é ágil e estratégico, e a ambientação faz jus à proposta estilizada dos anos 30. É um daqueles remakes que acerta ao manter o espírito do original, ao mesmo tempo em que corrige várias de suas limitações técnicas.

Quem jogou o título original encontrará muitas melhorias. Já os novatos poderão experimentar uma das histórias mais peculiares e interessantes do universo Megaten, com mecânicas modernas e mais agradáveis ao gosto dos recém-chegados na série da Atlus.

Com uma duração que vai de 24 até umas 55 horas, dependendo do quanto você deseja completar além da missão principal, RAIDOU traz de volta um jogo do PlayStation 2 da melhor forma possível, com mudanças que melhoraram a fórmula e abrem caminho para um possível terceiro jogo no futuro.

Nota: 8,0/10

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Esta análise foi feita com uma cópia do jogo gentilmente cedida pela SEGA. RAIDOU Remastered: The Mystery of the Soulless Army está disponível para Xbox Series S|X, PlayStation 4, PlayStation 5, Switch 2 e PC.

Reprodução: SEGA / Atlus

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Metaphor: ReFantazio – Um Persona medieval | Análise

Tony Santos — Sun, 15 Jun 2025 15:02:06 +0000

Após o fim do desenvolvimento e lançamento de Persona 5 em 2016, o diretor Katsura Hashino solicitou à Atlus que pudesse trabalhar em um projeto diferente. Alguns meses depois, a Atlus anunciou que ele deixaria o estúdio interno P-Studio para formar o Studio 0, e que seu primeiro jogo seria um tal de Project Re:Fantasy.

Em 2017, um pequeno trailer foi mostrado (que você pode ver abaixo), com uma ambientação medieval europeia, bem diferente do que a Atlus vinha fazendo na série Persona:

Após isso, foi lançado um trailer com mais artes iniciais, reforçando a ideia de que o jogo realmente teria uma temática ocidental e fantasiosa.

Esses trailers foram a única informação sobre o projeto por anos, até que em abril de 2023, em um Xbox Showcase (evento da Microsoft que ocorre de vez em quando), foi revelado o nome final do game: Metaphor: ReFantazio, mostrando vários elementos do jogo que já seriam idênticos à versão final, lançada em 2024. Será que esse projeto entregou o que eles planejavam? Vamos ver.

O que é Metaphor?

O jogo se passa no continente de Euchronia, um reino onde diversas raças diferentes convivem, porém nem sempre de forma harmoniosa. Seu personagem, chamado de Will por default, é de uma raça rejeitada chamada Elda, que mora na floresta.

O príncipe do reino é seu amigo de infância, e após ser atacado por um feitiço maligno, você e sua companheira fadinha Gallica saem numa aventura para descobrir uma cura para o amigo. Durante essa aventura, eles descobrem que o rei foi assassinado(!)

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A Resistência — que no jogo parecem ser contra a Igreja e não contra a Monarquia em si — sabe que isso foi causado por Louis, o vilão do jogo, e envia vocês dois para encontrar Grius, um mercenário.

Você, Grius e Strohl — outro amigo feito no caminho — planejam assassinar Louis durante o velório do Rei, mas DO NADA o castelo sobe aos céus e uma manifestação da alma do Rei anuncia um torneio para decidir o novo monarca. Tudo será feito pela vontade do povo, e tentativas de assassinato contra candidatos populares simplesmente não irão ter sucesso devido à magia do rei falecido.

A Igreja Sanctária, principal religião desse continente, toma as rédeas dessa eleição e decide que os candidatos devem peregrinar pelas grandes cidades do reino, mostrando grandes feitos durante a jornada, a fim de ganhar popularidade entre as pessoas da região. E assim, sua aventura começa de verdade.

Reprodução: Atlus/SEGA

A aventura

Dado o plano de fundo acima, a jornada do herói do jogo e seus amigos se dá de maneira já um pouco diferente da série Persona: ao invés de explorar meticulosamente várias partes de uma cidade, em Metaphor: ReFantazio temos diversos grandes centros, cada um com suas lojas e eventos a serem explorados.

O jogo também tem um sistema de calendário com prazos-limites, assim como a série Persona. É possível explorar e fazer atividades que passam o tempo, tendo normalmente tarefas diferentes para os períodos diurnos e noturnos.

As quests do jogo também podem levar o jogador a ambientes externos de exploração, como dungeons em lugares remotos. Esses locais geralmente ficam a dias de distância das cidades, então deve-se considerar esses prazos para que você não fique sem dias suficientes para fazer outras atividades.

Pela minha experiência, caso o jogador queira fazer absolutamente TUDO que o jogo tem a oferecer durante o primeiro playthrough, é necessário otimizar ao máximo o tempo usado. De preferência, terminando todas as dungeons em um único dia de jogo.

Obviamente não é necessário fazer isso, mas ao perder mais que 2 dias em uma dungeon, é literalmente jogar fora dias valiosos que você poderia estar usando para outras missões ou adiantando os Vínculos (Bonds) com outros personagens. Aliás, falando nisso…

Reprodução: Atlus/SEGA

Os Social Link- digo, Bonds

Também trazido da série Persona são os Social Links. Não tem como negar que a mecânica de ligar os avanços da narrativa com aspectos que realmente melhoram seus personagens durante a batalha é uma mecânica muito bacana e que faz muito sucesso, principalmente desde sua introdução — na forma como conhecemos hoje — em Persona 3.

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A ideia é basicamente essa: você conversa com um personagem importante (seja ele da sua Party ou um NPC), avança um pouco a sua narrativa com ele e, no final do evento, ganha um aumento no seu Vínculo com esse personagem.

Em Metaphor, você ganha bônus bem significativos, como ganhar mais EXP mesmo com o personagem fora da Party, aumento de status e, principalmente, o desbloqueio de novos Arquétipos. O que são os Arquétipos? Vamos lá.

Reprodução: Atlus/SEGA

Os Arquétipos

O grande diferencial no combate do jogo é que, ao invés do uso de demônios (Shin Megami Tensei) ou Personas (que eram basicamente os demônios mas com outro nome), cada personagem pode equipar um Arquétipo, onde seu personagem se transforma em uma espécie de robô semi-humanoide que tem um determinado grupo de habilidades e magias diferentes.

Pense neles como os jobs de Final Fantasy: você pode equipar o arquétipo do Lutador, e de repente seu personagem pode usar ataques físicos, ou então trocar para o Mago e usar ataques elementais. Simples assim.

Apesar da estranha decisão de não deixar o jogador trocar os arquétipos durante a batalha — talvez por medo de trivializar demais o combate —, eles trazem uma gama gigantesca de estratégias para as lutas.

Reprodução: Atlus/SEGA

Isso se dá principalmente porque, mesmo que todos os personagens possam usar todos os Arquétipos, seus status individuais são bem diferentes, portanto alguns arquétipos são mais efetivos quando usados por determinados personagens.

Strohl, por exemplo, tem Ataque alto e Magia modesta, então faz mais sentido usar arquétipos com foco em ataques físicos. Já o protagonista, apesar de ser um personagem que pode ser bom em tudo, é em Magia que ele se destaca, ao ponto que se faz pouco necessário distribuir seus pontos em algo que não seja esse Status.

A variedade de Arquétipos (não aguento mais digitar essa palavra) é grande, mas a realidade é que você não vai usar todos eles com todos os personagens. É bom ter a opção de escolher o que quiser, mas faria mais sentido um sistema similar a Final Fantasy X, onde a árvore de habilidades é guiada, de forma que você até possa experimentar outras coisas, mas com um caminho principal de progressão claro.

Reprodução: Atlus/SEGA

O combate

Apesar de beber muito da fórmula de Persona, em Metaphor o combate é mais similar a Shin Megami Tensei, principalmente os mais recentes, com o sistema de Press Turn.

Em Persona, você ganha um ataque extra com o mesmo personagem sempre que acerta a fraqueza de um inimigo ou acerta um Crítico. Em Metaphor, ao realizar uma dessas ações, você gasta “meio-turno”. Isso passa a vez pro seu próximo personagem, mas sem gastar uma ação sua.

Isso é útil, principalmente no modo Difícil, onde os inimigos têm sempre mais uma ação por turno — além de darem mais dano num geral.

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Também temos as ações de Síntese, que são habilidades que gastam dois movimentos de turno, pois dois personagens usam uma habilidade juntos.

Ah, na exploração é possível atacar os inimigos antes de entrar em batalha. Dessa forma, você pode matá-los antes da luta tática (por turnos) ou começar a batalha com um ataque especial que causa um dano inicial forte, além de tirar um turno inteiro do inimigo.

De modo geral, o jogo é consideravelmente mais difícil que a série escolar da Atlus, se voltando mais para algo como SMT. As lutas são brutais desde o início do jogo e te forçam a não somente sair apertando o botão de confirmação para ganhar EXP rapidamente — tudo isso mesmo na dificuldade normal.

Reprodução: Atlus/SEGA

Uma crítica a esse sistema é que algumas lutas e adversários exigem setups bem específicos, fazendo com que o jogador tenha que montar um quebra-cabeça com todos os seus Arquétipos até descobrir a estratégia ideal pensada pelos desenvolvedores.

Talvez pensando nisso, eles tentaram mitigar esse processo, colocando um NPC que vende dicas das missões, mas isso nem sempre vai te salvar de uma luta complicada.

Existe um gigantesco pico de dificuldade da metade do jogo pra frente, e faz-se bastante necessário realizar o famigerado grind para que o combate não se torne tedioso e frustrante.

Eu mesmo cheguei em um ponto onde não me divertia mais, pois lutas comuns estavam durando minutos e eu estava gastando muitos itens de cura. Tudo isso se resolveu quando resolvi gastar um dia a mais de jogo somente matando inimigos fracos e subir uns 10 níveis, de forma que daí pra frente o jogo se ajustou e eu nunca mais tive problema.

O que foi muita sorte de minha parte, pois o final do jogo possui 4 chefes opcionais que são maldade demais com o jogador, e mesmo treinando muito eu passei sufoco.

Isso é ruim, pois mostra que a dificuldade não foi totalmente equilibrada, lembrando jogos de outros tempos, tornando-se uma barreira para quem quer se aventurar no gênero. O modo Easy sempre é uma opção, mas isso dói mais no ego do que tirar um dia só pra matar mobs enquanto escuta música no fone.

Reprodução: Atlus/SEGA

Ambientação e estilo

Resolvi juntar a ambientação e o estilo visual do jogo em um único tópico porque eles funcionam como um só, assim como em outros jogos da Atlus.

Devido à estética e ambientação medieval, presentes desde o primeiro teaser do jogo, toda a identidade visual do game remete a culturas antigas europeias. Todos os menus e transições visuais têm um tema que eu descreveria como “rascunhos de Leonardo Da Vinci”. Obviamente inspirados pelos desenhos do polímata do século XV, todos os menus possuem esse visual de lápis/caneta sobre papel amarelado antigo.

São representações visuais que casam muito bem com a proposta do jogo. Minha única crítica é que existe uma certa poluição visual durante o gameplay.

Não sei se isso se deve a eu ter jogado em um monitor 1440p, mas visto que a HUD escala de forma uniforme independentemente da resolução, acredito que a quantidade exagerada de informações durante a exploração e o tamanho que elas ocupam sejam mesmo uma decisão estética.

As cidades do jogo, por sua vez, são bem bonitas. Ainda é um jogo com estilo anime, então não espere muito realismo, porém são sim todas bem detalhadas.

Você também tem controle total da câmera na maioria das áreas do jogo, diferentemente de Persona, onde normalmente um ângulo semifixo ou fixo é favorecido para dar uma identidade visual mais clara às ambientações.

Isso faz com que haja uma sensação de mundo maior ao seu redor — não somente devido à quantidade de locais a serem visitados, mas também pelo tamanho dessas cidades.

Infelizmente, a exploração das cidades acaba depois do primeiro rolê nelas, pois atalhos para as principais áreas são acessíveis ao consultar a fadinha Gallica, tornando a navegação uma mera trivialidade, onde o jogador abre o menu, escolhe para onde ir e é teletransportado instantaneamente.

Já as dungeons não são geradas proceduralmente como em Persona 3 e Persona 4, porém são mais simples que as presentes em Persona 5. Na maioria das vezes você precisa andar por diversos corredores, olhando mais pro mini mapa do que pro personagem em si e volta e meia descobrir uma passagem secreta ou puxar uma alavanca para abrir uma porta.

Existem diversas referências a Etrian Odyssey e uma delas é uma dungeon inteira com o mesmo layout de outra presente em um dos jogos da série.

Reprodução: Atlus/SEGA

Narrativa

O jogo toca em temas como racismo, fé e crença em mudanças. Um tema constante no jogo é a comparação do mundo fantasioso (para nós, pelo menos) do jogo — onde existem diversas rixas e injustiças — com uma versão do NOSSO MUNDO, que para eles seria uma utopia onde todos se respeitam.

Essa versão do nosso mundo é vista através do livro que o protagonista carrega, onde a história é contada como se o nosso universo fosse a verdadeira fantasia. Um conceito muito bom, mas que não é explorado na sua totalidade durante todo o jogo. Eles até EXPLICAM porque o livro existe, mas a ligação entre os dois mundos não dá a satisfação que a expectativa criada ao longo do jogo faz o jogador ter.

Sobre o restante da narrativa: o game tem uma estrutura de história que te prende em pontos-chave: temos o torneio para se tornar Rei, e ao longo do processo, os mini arcos dos personagens adjacentes.

Obviamente, uns são mais interessantes que os outros, mas senti uma canseira lá pra 70% da história, onde, tirando um ou outro Vínculo (Bonds), eu já não aguentava mais e passava rapidamente o texto, pegando a ideia geral do que estava acontecendo.

Já os pontos cruciais da narrativa principal são bem legais, principalmente quando o jogo entra no terceiro ato. Não temos nenhum plot twist gigantesco — ok, temos pelo menos um, mas não vou contar —, mas o vilão ser “cinza” e os personagens do seu grupo perceberem isso faz com que a história seja mais madura, ao invés de simplesmente colocar um cara mau fazendo maldade com o objetivo de dominar o mundo.

Louis é um vilão como vários outros nesses 100 anos de mangás e animes, mas acima da média em termos de JRPGs. Ele não é uma criatura milenar de outro planeta, nem um conquistador que quer matar as pessoas pelo prazer simples. Ele tem ideais distorcidos, e isso é abordado em discussões entre seus personagens, mas no fim, a gente sabe que tudo nesse mundo se resolve na porrada. E isso é bom.

Reprodução: Atlus/SEGA

A tal da abordagem de racismo no jogo (calma)

Sobre o lance do racismo: temos que lembrar que o jogo é feito por japoneses, que historicamente são um povo de uma raça só e que só em anos recentes está lidando com imigração de outros países.

Portanto, ainda que a mídia ocidental em geral tenha criado uma expectativa de que o tema talvez fosse ser abordado de forma mais… “ocidental”, aqui em Metaphor tudo isso é narrado de uma maneira bem rasa que encara essas mazelas da sociedade de um jeito talvez até infantil.

Não se engane: eu sou a favor de que uma história de fantasia não fique querendo doutrinar ou ensinar demais sobre o mundo real. Isso você deve aprender com fontes confiáveis e não através de paralelos sociais na sua mídia favorita. Não precisamos de mais gente usando personagens de Harry Potter ou Sonic para validar suas opiniões no Twitter, LOL.

Porém, não é a primeira vez que vejo um jogo japonês se passando por complexo quando na verdade tem a profundidade de uma poça d’água.

Basicamente o que se fala é que existem povos diferentes, uns oreludinhos, outros com chifre, e eles às vezes não se bicam. Uau. Já a ideia de comparar com o nosso mundo — como se ele fosse perfeito — é uma premissa muito boa, mas como dito acima, é abordada superficialmente.

Reprodução: Atlus/SEGA

Trilha sonora

Esse vai ser um tópico pequeno porque eu simplesmente não gostei das músicas do jogo. Shoji Meguro fez ótimas composições para a série Persona, mas ele realmente teve que sair da zona de conforto para criar os temas de Metaphor ReFantazio, e talvez não tenha obtido tanto sucesso.

Aqui, temos músicas que remetem a batalha, temas sérios e poucas músicas que passam tranquilidade. Obviamente, isso se deve ao tom constante de urgência que a narrativa traz. Mas passar o tempo todo, mesmo em explorações simples, ouvindo tambores de batalha e um monge fazendo rap cansa um pouco o cérebro e os ouvidos.

O tema principal de batalhas é muito legal, mas não acho que irei ouvi-lo fora do jogo tão cedo. Muitas músicas se repetem em áreas diferentes e talvez o silêncio pudesse ser uma escolha melhor em determinados momentos, como em dias de chuva.

Creio que o jogo deixa a desejar bastante nesse ponto. A dublagem — em japonês, obviamente — e os efeitos sonoros são bons, mas não são tão marcantes a ponto de serem notáveis.

Tradução

Eu sempre gosto de abordar o tema da tradução em português para talvez tirar o estigma que, por algum motivo, ainda existe entre as pessoas aqui no Brasil de jogar um game com foco em história na nossa língua.

Não é um ufanismo barato da minha parte. Eu já trabalhei como tradutor de inglês para português por um ano, e nessa experiência — que pagava muito bem pra um jovem adulto (sdds) — eu vi o quanto tradutores FORMADOS e PROFISSIONAIS precisam ser bons no que fazem.

Não basta simplesmente jogar o texto no ChatGPT; é preciso contextualizar, adaptar tamanho de frases e tons de diálogos, tudo isso sem tirar nada da intenção original.

O grande problema que ainda existe, porém, é que jogos japoneses normalmente são traduzidos da tradução americana, e a gente sabe que lá sim, eles gostam de SACANEAR a intenção do autor original, colocando frases e personalidades que não condizem com a mídia original. Todo mundo que já jogou um jogo de Dragon Ball Z em inglês sabe mais ou menos do que eu estou falando.

A Atlus, para mitigar isso, tem adotado uma estratégia interessante: pelo que percebi, eles fornecem aos tradutores ambas as versões: inglês e japonês. Conversas simples, sem nenhum teor importante para a história, são adaptadas do texto em inglês, mas termos como golpes, itens e outros temas-chave são consultados da versão original.

A tradução deles vem melhorando continuamente. Joguei Persona 3 Reload e Yakuza: Like a Dragon em português e falo com tranquilidade que não enfiam memes e referências culturais abrasileiradas em lugar nenhum.

Reprodução: Atlus/SEGA

E não só isso, mas em um jogo com narrativa medieval, os diálogos podem ser meio “floridos”, com passagens na segunda pessoa e com o uso de alguns termos antiquados para os dias de hoje.

Vê-los em nossa língua evoca experiências literárias, fazendo com que a história realmente pareça vinda de um livro de fantasia que compramos na Saraiva anos atrás ou lemos na biblioteca da escola.

Evidentemente que ao saber inglês, entendemos o conteúdo, mas a linguagem é um canal para transmitir não só informações, mas também sensações, e muitas pessoas perdem esse fator ao simplesmente jogarem em um idioma que dominam mas não é sua língua nativa.

Enfim, esse é meu ponto de vista sobre jogos em português. Sei que muita gente discorda, mas tudo bem porque eu também gosto de jogar em inglês. Apenas peço que abaixem a guarda e tentem jogar esse ou qualquer outro jogo da Atlus que possua tradução oficial em nosso idioma.

Reprodução: Atlus/SEGA

Veredito

Metaphor: ReFantazio é um take diferente na fórmula mágica criada em Shin Megami Tensei e amaciada nos anos recentes pela série Persona. Ao absorver mecânicas de ambas as séries, o jogo torna-se uma alternativa com uma dificuldade um pouco mais elevada em comparação aos RPGs recentes feitos pela empresa.

A narrativa com foco em temas como monarquia, desigualdades sociais e fé pode parecer um pouco pesada de início, mas tudo é abordado com um tom fantástico e similar a outras histórias japonesas modernas.

Apesar das críticas que faço ao grind necessário para progredir no jogo após o primeiro ato e de uma gama enorme de Arquétipos que mal serão usados em sua totalidade, Metaphor é um jogo bem recompensador, seja pelo seu sistema de batalha, como pela sua história.

É possível que o game torne-se uma série e assim, poderemos ver se vão acertar as arestas, criando um jogo ainda melhor numa futura continuação, ou até mesmo uma versão “FES/Golden/Royal” dessa mesma história.

Nota: 8,0/10

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Metaphor: Re:Fantazio está disponível para PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox Series S|X e PC (Steam). Esta análise foi feita com uma cópia pessoal do jogo para PC.

Reprodução: Atlus/SEGA

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Shadows of the Damned: Hella Remastered | Análise

Diogo Batista — Wed, 13 Nov 2024 14:44:24 +0000

Falar de Shadow of the Damned, especialmente na sua versão remasterizada para Xbox Series S|X, é uma experiência que me faz reviver um pouco dos jogos que recebíamos 2011, antes do mundo começar a dar errado, mas também me faz refletir sobre a natureza da remasterização em si. Como um fã de jogos que fogem um pouco da norma geral e apostam em um estilo único, eu sempre vi Shadow of the Damned como um dos títulos subestimados da sétima geração de consoles.

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Agora, com o nome “Hella Remastered“, me questiono: será que esta versão consegue redimir o título original em alguma escala ou temos aqui apenas o passado com um brilho de grafismo sem realmente captar a essência que o fez se destacar?

Bem, para responder a essa pergunta precisamos descer as profundezas do inferno, me acompanhe!

Reprodução – Grasshopper Manufacture – NetEase

A remasterização

A primeira coisa que salta aos olhos em Shadow of the Damned: Hella Remastered são os seus gráficos. Se a versão original já era colorida e com um design estilizado que refletia o espírito irreverente do jogo, agora, com o poder do Xbox Series S|X (que é a versão que joguei), os gráficos estão mais vibrantes e nítidos. A paleta de cores é mais saturada, os modelos dos personagens parecem mais detalhados e as animações fluem com uma suavidade impressionante.

O protagonista Garcia Hotspur, que já era um “badass” em sua versão original, agora está mais polido, mas com o mesmo charme descarado que o caracteriza. Acredite, a energia do personagem continua a mesma, e isso é algo a se comemorar. E temos também a própria Paula, que já era uma personagem grotescamente sedutora, agora ganha uma aura ainda mais inquietante. Não é só uma atualização gráfica: é uma atualização do impacto visual, e isso é um ponto positivo.

Eu, que sou fã de jogos de terror (apesar de ser medroso para caramba) e ação diferenciado, posso afirmar que não me canso de admirar o trabalho feito com as animações e os efeitos visuais, mas se você é daqueles que se importa um bocado com a questão gráfica, talvez o jogo não te surpreenda tanto. A jogabilidade é onde as coisas começam a ficar interessantes.

Reprodução: Grasshopper Manufacture, NetEase

Jogabilidade

O combate de Shadow of the Damned nunca foi a coisa mais refinada da face da Terra. O jogo sempre teve um foco muito grande no estilo e na “pegada” mais ágil do que na precisão técnica. Aqui, em Hella Remastered, essa filosofia se mantém, mas com uma atualização que não altera a essência, mas sim oferece mais fluidez e, claro, mais opções de combate.

Garcia agora tem mais armas, mais poder e mais variedade de inimigos. As mecânicas de “combinação” de armas, por exemplo, continuam a ser uma das grandes sacadas, e mesmo que algumas delas não sejam tão profundas, elas encaixam bem no ritmo frenético do jogo.

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Em termos de dificuldade, Shadow of the Damned: Hella Remastered mantém o desafio interessante. Não é o tipo de jogo em que você vai “passar de boa” só porque a remasterização trouxe gráficos mais bonitos. A inteligência artificial dos inimigos não é das melhores, mas a dificuldade vem da pressão: sua munição é escassa, os inimigos não param de vir, e os puzzles (que, por mais simples que sejam, continuam divertidos) vão testando sua paciência. E, sim, você vai morrer – e vai morrer bastante. E esse é um dos pontos que Shadow of the Damned consegue manter bem. Não é um Resident Evil da vida, mas tem o seu charme.

Reprodução: Grasshopper Manufacture, NetEase

O humor negro

Em Hella Remastered, o humor continua sendo um dos pilares que sustenta o título. A história, repleta de piadas, trocadilhos e aquele clima de filme B de terror, é algo que não se perdeu na transição para a nova geração.

Garcia Hotspur continua sendo um anti-herói que para não levarmos a sério, o que é uma benção e uma maldição ao mesmo tempo. A maldição, porque, depois de algumas horas de jogo, o humor um tanto repetitivo pode cansar, mas a benção porque, sem ele, o jogo não teria a personalidade que tem.

E a forma como o jogo mistura momentos de ação com diálogos hilários é algo que eu gostei bastante. A interação entre Garcia e Johnson ao longo da jornada, e a maneira como Garcia se porta diante das situações é uma das características que faz o jogo tão singular. O humor irreverente é, sem dúvida, um dos maiores méritos da obra original, e ele continua presente aqui com força.

O que Shadow of the Damned: Hella Remastered consegue, acima de tudo, é manter sua essência intacta, mesmo com os gráficos turbinados. Não se trata apenas de uma atualização visual, mas sim de uma experiência revisitada que, embora não inove em muitos aspectos, consegue entreter. A jogabilidade permanece simples, mas eficaz; o humor não cansa – até que cansa, mas é impossível não se divertir ao longo do caminho. O que temos, no fim, é um jogo que continua se divertindo ao brincar com suas próprias limitações.

Reprodução: Grasshopper Manufacture, NetEase

Um Jogo Que Não Deveria Ser Esquecido

Shadow of the Damned: Hella Remastered é, no fundo, uma versão melhorada de um título que nunca deveria ter sido esquecido. Para aqueles que já jogaram o original, é um presente visual e uma desculpa para revisitar uma aventura única, cheia de personalidade e humor ácido.

Para os novatos, é uma chance de ver como os jogos de ação e terror poderiam ser ousados e irreverentes antes que se tornassem mais “sérios” e “limpinhos”. Não é um jogo que vai redefinir a indústria, mas é, sem dúvida, uma experiência que vale a pena viver. Afinal, por mais que o humor bizarro e a jogabilidade simples possam não agradar a todos, Shadow of the Damned sabe exatamente quem é e não tem vergonha disso.

Então, se você está em busca de um jogo com gráficos interessantes, ação insana e uma história cheia de piadas de gosto duvidoso, Hella Remastered vai fazer jus ao legado da versão original. Ao contrário de muitos remasters por aí, esse não tenta se reinventar – ele apenas é. E, para muitos, isso já é o suficiente.

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Sonic x Shadow Generations | Análise Parte 1: Sonic Generations Remaster

Tony Santos — Thu, 31 Oct 2024 08:00:10 +0000

Sonic Generations, o original, foi lançado em 2011 e foi recebido pela mídia e pelo público de forma muito positiva. Era uma retomada ao sucesso depois de diversas tentativas frustradas em 3D, como Sonic and the Black Knight, Sonic Unleashed e até mesmo Colors, que havia sido o game anterior a Generations.

Neste game, temos pela primeira vez em muito tempo a presença do Sonic gordinho. Essa é a sua versão da época do Mega Drive, antes de seu redesign feito pela Sega em 1999, que apareceu pela primeira vez no Neo Geo Pocket em Sonic Pocket Adventure, mas ficou conhecido mesmo nos jogos de Dreamcast.

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Agora em 2024, a SEGA resolveu dar o tratamento de remaster ao game, assim como fez com Colors em 2021, Mas, para agitar as coisas um pouco, eles adicionaram uma história paralela do personagem Shadow.

Lembrando que esta análise foca nas mudanças e no aspecto técnico do Remaster de Sonic Generations.

Para saber sobre o conteúdo novo do pacote, leia nossa análise: Parte 2: Shadow Generations.
Para uma análise do Sonic Generations original, leia o texto enorme que o Geovane fez sobre ele aqui.

É bom dizer que, mesmo que sejam dois jogos lançados num pacote só, a SEGA trata como se fosse um único jogo dividido em dois capítulos. Todas as versões abrem em um único launcher, e você escolhe o game na primeira tela após o jogo abrir.

Reprodução: SEGA

Mudanças técnicas e gráficas

Em Sonic x Shadow Generation temos Sonic Generations, que é um port direto do original. Para aqueles que jogaram nos consoles, agora têm a vantagem de jogar o game em 60 fps (menos no Switch). Já para os jogadores de PC, temos basicamente a mesma versão antiga em termos gráficos.

Pelo lado positivo, agora temos o menu de configuração dos gráficos injetado diretamente no jogo, já que o game original ainda é da época em que essas configurações eram feitas num launcher separado. Quem lembra disso?

O game pode rodar em resoluções mais altas, indo até 4K, e também ser jogado em janela sem bordas, essencial para tempos em que muitos de nós usamos dois monitores. Há também suporte ao controle DualShock 4 e DualSense, e os ícones dos botões podem ser mudados independentemente do controle usado, o que é sempre muito bom.

Outra limitação da já antiga Havok Engine, usada no jogo original, é que, pelo menos no PC, o executável do Sonic Generations é carregado por dentro do launcher, deixando a tela preta por meio segundo. Isso é só um detalhe técnico, que mostra que a versão que estamos jogando de Sonic Generations é basicamente um update da original.

Reprodução: SEGA

Jogabilidade

Sobre o jogo em si, temos o clássico Sonic Generations: diversas fases baseadas na franquia toda até então. Cada fase tem dois atos: um com Sonic gordinho e outro com Sonic moderno. A sensação de velocidade continua incrível, e as fases fluem muito bem; nem sempre segurar a alavanca para frente vai te levar ao final da fase intacto.

Temos também ainda o ponto meio chato do jogo que não modificaram, que são os desafios que travam o progresso do jogador. A Sega, ao ver que o jogo talvez acabasse muito rápido com apenas NOVE fases (divididas em dois atos mais os chefes), resolveu esticar a corda e colocar pequenos desafios entre elas.

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Eles variam entre apostar corrida com outro personagem ou passar de um Ato com algum gimmick, como inimigos gigantes ou usando a bolha de ar que faz o Sonic quicar. Eu nunca gostei disso desde que joguei o game no Xbox 360, e aqui eles não estão mais divertidos.

Nessa versão, o sistema de vidas se tornou opcional. Isso é legal, pois vidas sempre foram uma dificuldade artificial, principalmente em jogos mais modernos. Também há a opção de usar controles “modernos”, que se assemelham mais à configuração usada em Sonic Frontiers, com o Dash no R2 e o Homing Attack do Sonic moderno indo para o Quadrado, em vez de ser ativado com dois pulos.

Fica ao seu critério escolher qual a melhor configuração de botões. Também é possível modificar individualmente cada botão.

Reprodução: SEGA

Mudanças boas e outras nem tanto

Como já citado, houveram algumas mudanças para tornar o jogo mais moderno, porém junto dessas vieram algumas nem tão boas.

Além de Sonic x Shadow Generation ter seus textos traduzidos para o português, os diálogos foram todos regravados, mas não sei dizer com certeza se as vozes dos personagens foram alteradas. Pelo menos a qualidade do áudio está significativamente melhor, especialmente ouvindo os dois jogos em sequência.

O DLC Casino Night, do jogo original, agora vem liberado de cara, e também temos uma skin do Sonic do Dreamcast bem legal que não estava no lançamento de 2011.

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Temos também Chaos espalhados pelas fases, coisa que não tinha no original. Essas criaturas estão escondidas pelos mapas e você deve pegá-las para desbloquear conteúdos extras no jogo também.

O grande elefante na sala são as alterações sem noção que a Sega implementou nesse relançamento. Entre elas:

Sonic não coloca mais a mão no rosto da Amy na cutscene inicial.
Rogue tem seu decote escondido.
Knuckles não pergunta mais ao Sonic gordinho se ele ganhou peso.

Tenho uma opinião suave em relação à questão da Rogue, mas as outras alterações não fazem sentido algum. Nenhuma mulher vai se ofender com um personagem infantil tendo uma interação igualmente infantil com outro personagem.

Vivemos num mundo onde os flocos de neve ditam as regras e ao mesmo tempo continuam se fazendo de coitados. Aproveito o espaço para dizer que sou totalmente contra a setores de ESG em empresas justamente por esse tipo de comportamento. Mas dito isso, seguimos.

Original (acima) e Remaster (abaixo) / Reprodução: SEGA

Trilha sonora

Sonic Generations conta com diversos rearranjos de outros games da franquia. Criatividade musical infelizmente nunca foi um forte desse game, já que sua proposta era justamente valorizar a história da série.

Vale destacar que é possível desbloquear trilhas de outros jogos da série, como Sonic CD e Sonic R, compostas por artistas como Crush 40 e Richard Jacques.

Reprodução: SEGA

Veredito

Sonic Generations (remaster) de Sonic x Shadow Generation é basicamente uma forma de jogadores de PS4, PS5 e Switch terem acesso ao jogo em consoles modernos. Donos de Xbox e PC já tinham o game sem as mudanças/censuras apresentadas.

De forma geral, parece que a SEGA apenas colocou o Generations original junto porque o novo jogo (Shadow) é muito curto, e eles precisavam completar o pacote.

Não é um lançamento totalmente negativo, mas poderiam ter portado o game para a Hedgehog Engine 2, a mesma usada na parte do Shadow. As censuras, porém, fazem a percepção do lançamento ser mais negativa do que o jogo merecia.

Nota do game original: 8,0/10
Nota do remaster: 6,0/10

Reprodução: SEGA

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Nikoderiko: The Magical World | Análise

Tony Santos — Sun, 20 Oct 2024 12:53:34 +0000

Nikoderiko: The Magical World é um jogo estilo plataforma, inspirado em clássicos como Crash Bandicoot e Donkey Kong. Desenvolvido pelo estúdio VEA Games, uma galera indie nova do Chipre, esse é o primeiro jogo deles, e mandaram muito bem logo de cara, trazendo inspirações dos jogos mais clássicos do gênero.

Confiram!

Créditos: VEA Games

Jogabilidade

Durante o game, você controla Niko e Luna, os personagens principais, usando tanto o d-pad quanto o analógico. Ele possui os comandos clássicos dos jogos de plataforma 2D: deslizar nas paredes, carrinho agachado, planar após o pulo e até uma bundada no chão para matar inimigos. É um jogo recheado de coletáveis, com a estética e a jogabilidade lembrando muito um mix dos Donkey Kongs da Rare e da Retro Studios. Inclusive, você coleta quatro letras durante as fases que formam o nome do protagonista e pega barris que te levam para uma fase bônus, bem similar aos jogos de DK, além de um lance de socar algo no final de cada fase, igual ao DKC Returns.

Em alguns momentos, o jogo muda para uma perspectiva 3D, remetendo aos clássicos do Crash Bandicoot no PS1, mostrando claramente outra das principais inspirações do estúdio ao criar Nikoderiko. Além disso, o jogo oferece um modo cooperativo para dois jogadores, proporcionando uma diversão maior para os pequenos ou até para introduzir a criançada ou a namorada no mundo dos games. Há também uma dificuldade mais fácil, perfeita para quem está começando.

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O jogo também conta com um sistema de montarias, onde amigos do Niko (um sapo, um javali e até um dinossauro) te ajudam durante as fases em momentos específicos. Embora sejam legais e mudem um pouco a jogabilidade, não são um diferencial tão grande assim. No mapa, há uma loja que inicialmente parece oferecer upgrades, mas, na verdade, vende apenas montarias extras e colecionáveis que servem para quem quer platinar o jogo.

Entretanto, notei alguns bugs durante a jogatina. Um problema recorrente é a impossibilidade de usar o d-pad nos menus, o que pode ser bem incômodo. Além disso, em um momento apareceu uma dica na tela dizendo qual botão usar para realizar um ataque, mas, em vez do ícone correto, apareceu uma interrogação.

Créditos: VEA Games

Gráficos e Música

Os gráficos de Nikoderiko são bonitos, com algumas animações em CGI bem feitas. No entanto, o menu principal é simples, lembrando jogos de celular, e, como já mencionei, só dá para usar os analógicos, o que é curioso.

Os efeitos sonoros são bem presentes, saindo principalmente pelo alto-falante do DualSense. No entanto, acho que exageraram um pouco, já que praticamente tudo que não é música sai por ele. A dublagem em inglês é competente, lembrando os jogos recentes do Sonic, e todos os diálogos são dublados, o que adiciona um charme ao jogo.

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As músicas são incríveis, com temas florestais que me lembraram muito as trilhas dos Donkey Kongs do SNES. E qual foi a minha surpresa quando descobri que foram compostas pelo próprio David Wise, o lendário compositor da série da Nintendo. O cara tem um estilo único mesmo.

Créditos: VEA Games

Veredito

De forma geral, Nikoderiko é um ótimo jogo de andar e pular, feito por um estúdio menor que entendeu bem o que fazia os clássicos dos quais se inspiraram serem tão bons.

As inspirações são óbvias, e apesar da execução ser muito boa, a amálgama de tantas ideias não vem acompanhada de grande inspiração, visto que não há ideias novas. Se a ideia era criar algo uma versão diferente de jogos já existentes, como Donkey Kong Country e Crash Bandicoot, eles acertaram em cheio, mas para futuras continuações, seria legal se a VEA Games colocasse mais de suas próprias ideias para engrandecer o gênero de jogos de plataforma.

Nota: 7,5/10

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Esta análise foi feito com uma cópia do jogo para PlayStation 5 cedida gentilmente pela VEA Games. Nikoderiko: The Magical World está disponível para PlayStation 5, Xbox Series S|X, Nintendo Switch e PC (Steam).

Créditos: VEA Games

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Funko Fusion | Análise

Diogo Batista — Mon, 14 Oct 2024 16:28:21 +0000

Funko ao longo dos anos se tornou uma febre, muito mais com adultos do que propriamente as crianças. Eu no caso nunca morri de amores e sequer comprei uma dessas criaturas cabeçudas. Só que ao ver que um jogo estava sendo desenvolvido, logo me animei, afinal, Funko se sustenta exclusivamente sobre marcas famosas da cultura pop. O que será que poderia ser feito em cima disso e ainda se conectar a esses bonecos cabeçudos de vinil.

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Com essa premissa nasceu Funko Fusion, um jogo que explora essa brincadeira com filmes famosos e desenhos animados e tenta criar uma experiência só sua. E como todos sabem, eu adoro um bom filme, logo fui totalmente capturado pela proposta, então cá estou trazendo a você a minha experiência com esse jogo que promete ser uma experiência bem humorada.

Traga seu boneco cabeçudinha e me sigam pelo universo da fantasia.

Reprodução: 1010 Games LTD.

Centenas de Cabeçudinhas

Funko Fusion tem uma premissa simples e quase bobinha, onde um vilão surge na fabrica de vinil que fabrica esses bonecos e ataca o rei Freddy e coloca em perigo todo o reino de WonderWorld, então cabe a nós no controle dos personagens de diversos filmes, entre eles os iniciais Jurassic World, Scott Pilgrim contra o Mundo, Umbrella Academy, The Thing (O Enigma de Outro Mundo) e Hot Fuzz (Chumbo Grosso), coletar as coroas que foram espalhadas durante o confronto com o vilão e salvar aquele universo e o equilíbrio dele.

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Compreendendo que o objetivo é salvar o mundo e encontrar as coroas que estão espalhadas no universo do filme, agora nos resta realizar puzzles e lidar com vários inimigos. Nada espetacular, mas ainda assim que se mantem interessante que se sustenta por algumas horas. A trama também conta com alguns bons momentos em que podemos ver o vilão Eddy transformar os inimigos em criaturas quase zumbis, e são bem legais de se ver.

Depois dessa introdução, podemos escolher as histórias que queremos jogar, e uma vez escolhida, você só sairá dela após o termino. O que é um tanto chato, visto que engessar a possibilidade de alternarmos entre elas seria muito mais palatável para os fãs.

Reprodução: 1010 Games LTD.

O Mundo Maravilhoso

Funko Fusion tem um visual interessante e a maneira como a história se desdobra realmente nos prende por algum tempo, mas ele peca em alguns aspectos seja pelos comandos que são um pouco confuso na hora de alterna-los ou a impossibilidade de sairmos das fases que escolhemos.

Levando em consideração que o jogo em si, conta com centenas de filmes licenciados, acabamos por criar uma expectativa um pouco elevado em termos de maneira como esse material será reverenciado pelo jogo, mas adianto que ele não ousa muito e se restringe apenas a questões visuais e situações mais famosas, pelo menos em filmes como Jurassic Park. O que é realmente uma pena.

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Quanto a questão de jogabilidade, ele não inova, trata-se de um jogo de tiro em terceira pessoa até que competente e que funciona como deveria funcionar. Sua trilha sonora também funciona muito bem e consegue criar ótimo momentos durante os combates ou momentos importantes do jogo.

Funko Fusion também contará com DLCs e bastante conteúdo, então podemos dizer que existe todo um projeto por parte da 1010 Games LTD. de alimentar o jogo por um longo tempo. O que torna uma escolha acertada se você realmente aprecia a proposta do jogo de ser uma biblioteca digital de paródias de franquias famosas de filmes.

Reprodução: 1010 Games LTD.

Conclusão

Funko Fusion não recria a roda e também está longe de replicar o sucesso que LEGO tem feito há mais de 20 anos nos vídeo games. Se em LEGO podemos nos divertir e dar boas risadas em função do humor leve, no outro temos Funko Fusion que sustenta quase que exclusivamente em cima da ideia de brincar com personagens de filmes em suas versões cabeçudas, mas sem a mesma irreverencia.

Não que o jogo seja ruim, está longe disso, mas ele vai se tornando um pouco cansativo por conta de puzzles que são extremamente fáceis e o combate que é se repete a exaustão. Tínhamos muito potencial aqui, muitas ideias poderiam ter sido empregadas. Ele tem vários coletáveis em suas fases, o que pode aumentar o tempo de jogatina, mas a medida que avançamos fica a sensação de que estamos diante de mais do mesmo, mas com novos personagens.

Se você coleciona FUNKOS ou procura uma experiência que faz referencia direta as franquias famosas do cinema que gosta, então vale muito a pena, mas se você não faz parte desse seleto grupo de amantes ou colecionadores, então recomendo que você espere uma promoção para ter sua biblioteca digital de jogos que fazem parodias com filmes.

NOTA 6.0/10

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Funko Fusion está disponível para PC, Xbox Series S|X e PlayStation 5 e Nintendo Switch, e esta análise foi feita com uma chave digital de Series S|X gentilmente cedida pela Keymailer.

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The Plucky Squire (O Escudeiro Valente) | Análise

Tony Santos — Sat, 28 Sep 2024 20:55:51 +0000

Lançado pela Devolver Digital em 2024 e desenvolvido pela All Possible Futures, O Escudeiro Valente é um jogo de plataforma que mistura jogabilidade 2D e 3D. Ele foi muito bem recebido pela mídia, inclusive pelo site Digital Foundry, que fez um vídeo exclusivo sobre o game, elogiando não só os aspectos gráficos mas suas características que trazem algo diferente ao conceito de jogos de plataforma.

Reprodução: Devolver Digital

Jogabilidade

O jogo mistura um gameplay 2D similar a Zelda, com estilo de arte que lembra desenhos como A Hora da Aventura, com referências a outros jogos como Punch Out, Bust-a-Move e até Crypt of the Necrodancer. Já a parte com gameplay 3D possui gráficos realistas que lembram jogos de plataforma modernos como Mario, Crash e afins. Esses dois modos que à princípio não casam muito bem, se justapõem de maneira agradável, trazendo inclusive um frescor constante, devido a troca entre os modos durante o jogo.

Reprodução: Devolver Digital

História

Você controla Pontinho (Jot, em inglês), um personagem de um livro infantil que junto de seus amigos deve derrotar o mago Enfezaldo (Humgrump, em inglês). Durante as primeiras horas, os personagens descobrem que estão dentro de um livro, e que Enfezaldo planeja usar elementos de fora da narrativa para tornar o livro do Escudeiro Valente em uma história sobre ele mesmo.

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A aventura se desenrola entre o mundo 2D do livro e também no mundo real, no quarto do menino que é dono do objeto, ao estilo Toy Story.

Reprodução: Devolver Digital

Combate e gameplay

Tirando a parte bem Zelda de usar espada para atacar os inimigos, também temos uma variação com diversos puzzles que usam jogo de palavra para alterar objetos na cena, similar ao jogo Scribblenauts (2011, Nintendo DS).

ASSISTAM – Enjoy Your Dejoe entrevista com Diogo do Arquivos do Woo

Pontinho também pode manipular o livro por fora, inclinando as páginas para fazer algum objeto escorregar, por exemplo. Também é possível retirar objetos 2D para usá-los no mundo real e vice-versa, tudo sempre no contexto de algum quebra-cabeça.

Reprodução: Devolver Digital

Conclusão

A aventura de The Plucky Squire conta com dez capítulos e dura de oito a 11 horas, sendo no tamanho certo para durar sem enjoar. Existem momentos um pouco mais lentos, mas num geral o jogo é bem ágil e todo gameplay casa bem com os estilos de artes distintos do jogo.

Existem diversos minigames diferentes durante a jornada que aumentam a variedade, deixando o jogo quase sempre bem fresco.

A historinha é simples, mas divertida. A tradução em português adapta tudo para nomes em português, inclusive os puzzles de palavras, o que deve ter sido bem trabalhoso de adaptar sem causar erros de semântica.

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Destaque também para a narração de Mauro Ramos, um excelente dublador que traz sua experiência de anos de dublagem a aventura do escudeiro Pontinho.

Espero ver uma segunda aventura do personagem, com as arestas aparadas mas de forma geral, o jogo já é bem redondinho.

Existem alguns bugs em The Plucky Squire, como troféus relacionados aos coletáveis que até agora não podem ser pegos no segundo gameplay — eu mesmo tive que pegar tudo de primeira para platinar –, além de alguns bugs visuais aqui e acolá que não atrapalham em nada.

Nota: 7,5/10

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The Plucky Squire / O Escudeiro Valente está disponível no PC (Steam), PlayStation 5, Xbox Series S|X e Nintendo Switch.
Esta análise foi feita com uma cópia pessoal do jogo para PlayStation 5.

Reprodução: Devolver Digital

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Shin Megami Tensei V Vengeance | Análise

Diogo Batista — Thu, 04 Jul 2024 15:57:51 +0000

Após 3 anos do seu lançamento no Nintendo Switch, Shin Megami Tensei V finalmente deixa o console da Nintendo e ganha conquista outras plataformas que ansiavam por jogá-lo em algum momento. Não só isso, ele chega recheado de grandes novidades, o que por si só trouxe sorriso ao rosto dos fãs do titulo original.

Com melhorias e inclusive uma nova história para somar-se a enredo original. Algo que tem sido uma pratica comum feita pela Atlus nos últimos tempos com títulos que fizeram sucesso, onde seus jogos recebem versões turbinadas após algum tempo do lançamento e substitui o lançamento original.

Por agora fica a pergunta, será que essa nova versão cumpre o papel de ser a versão de definitiva de um jogo que é considerado por muitos, um dos melhores RPG dos últimos tempos?

Bem, vamos descobrir juntos isso. Evoque seu demônio e me acompanhe até o Da’at.

Créditos: Atlus

O cânone da Vingança

Se você finalizou a versão original do Nintendo Switch, para a sua alegria ou de todos, você poderá logo no início escolher qual trama que você quer iniciar. Uma das escolhas nos leva a história original que é aqui é chamado de o cânone da criação e a outra para a nova trama, aqui intitulado de cânone da vingança. Obviamente que se você não jogou o primeiro titulo a escolha da trama original parecer o caminho mais correto, e ouso dizer que escolha o que o seu coração mandar nesse sentido.

Ambas as tramas são muito boas, mas a nova é certamente muito mais atraente no que toca a desenvolvimento narrativo, e até introduz novos personagens e inimigos que vão surgindo a medida que se avança na trama, que passa a ganhar uma forma cada vez mais intrincada. O protagonista continua sendo Nahobino, que é a fusão de um estudante com um protoinfernante chamado Aogami, e que agora contara com novos aliados e centenas de novos demônios para enfrentar e recrutar durante toda a jogatina, mas dessa vez conseguindo dar um espaço maior para outros personagens em sua trama.

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Para tornar essa vingança ainda mais apetitosa, o mapa também ganhou grandes melhorias como trilhas de Magatsu escondidas, e que quando encontradas permite que possamos usá-las como atalhos ou chegar em áreas escondidas pelo mapa, e com muitas delas nos levando a inimigos diferentes ou itens raros como certas essenciais de demônios.

O mapa do jogo acabou ganhando uma nova dimensão com essas melhorias, o que torna a exploração algo ainda mais prazeroso de se realizar. Era bom antes, agora ficou bem melhor, principalmente com a possibilidade de se salvar a qualquer momento.

Créditos: Atlus

Não é força e sim estratégia

Talvez uma das maiores lições que Shin Megami Tensei vem nos ensinando ao longo dos jogos é que ele não pode ser resolvido na base da força, é preciso explorar fraquezas e ter consciência do time que você está montando. Eu sei que recrutar o máximo de demônios que encontrarmos pelo caminho pode ser divertido, mas manter um time onde todos compartilham de um determinada característica assim como da mesma fraqueza é algo péssimo.

E nesse sentido SMT V Vengeance vai te punir por todo o vacilo que você der nesse sentido, então apesar da possibilidade de salvarmos a qualquer momento, isso não te impedirá de ver varias vezes a tela de Game Over durante a jogatina.

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Por vezes eu simplesmente acabei sendo dizimado rapidamente mesmo com um time de demônios mais fortes do que os inimigos que eu enfrentava, isso porque a IA ataca diretamente as nossas fraquezas, o que torna até mesmo o ato de grindar uma experiência desafiadora mesmo lidando com inimigos mais fracos. Esse elemento do jogo é algo que nos permite ganhar pontos de pressão durante o turno, ou seja, se acerto a fraqueza do inimigo eu ganho mais uma chance de atacar novamente. O que é ótimo, se isso também não valesse para o inimigo.

Essa característica da jogabilidade de Shin Megami Tensei é algo que torna a experiência muito desafiadora e divertida. Por se manter como um jogo de RPG de turno, ele tenta força a entender o sistema de buff e debuffs e criar a melhor estratégias para ganhar pressão e punir os o inimigos, ou mesmo se defender para que possamos quebrar a pressão que o inimigos esteja aplicando ao nosso time.

Apesar de parecer complexo, posso dizer que Shin Megami Tensei V Vengeance é menos cruel do que o seu irmão mais velho, SMT3.

Créditos: Atlus

Um jogo de visual belíssimo e com uma trilha sonora inesquecível

Shin Megami Tensei V é um jogo muito bonito no Nintendo Switch, mas quando você o vê rodando em uma resolução maior, ai você tem certeza de que não pouparam esforços nos pequenos detalhes. É ridiculamente bonito SMTV Vengeance. Não só isso. Cada criatura que você encontrará ao longo da jogatina é bem construída e animada. Enquanto no Switch era perceptível as quedas de frames dependendo da distancia que você estava ou alguma granulação, aqui as animações continuam fluidas mesmo em uma resolução muito maior e FPS alto.

Claro, acho que não cabe a comparação em termos de hardware, só que rodando em um Series S essa diferença fica ainda mais evidente. Percebe-se que houve todo um cuidado para que ele oferecesse uma belíssima experiência visual, o que faz com que essa versão realmente seja a definitiva.

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São diversos detalhes de partículas nas magias, e como alguns demônios assim como Nahobino possuem habilidades exclusivas que possuem toda uma cinemática para suas execuções, a experiência de assistir isso sendo realizado é ainda mais prazerosa. No combate com os chefes do jogo não poderia ser diferente, com vários deles sendo figuras distinta e com magias que são um deleite para qualquer amante de anime de luta e magias gigantescas.

Tudo isso embalado por uma trilha sonora que também ganhou um tapão e está ainda muito, mas muito melhor do que sua versão original. Seja durante as batalhas ou mesmo em outros mapas, tudo funciona tão bem e de forma coesa, que toda batalha é uma experiência memorável.

SMT V Vengeance melhora muita coisa em termos de visual, trilha sonora e também traz uma visão por cima do cenário, o que facilita identificar pontos que você ainda não havia explorado antes. Não é algo que eu reclamaria, mas quem for mais chato pode achar que mata isso afeta um pouco da visão artística pensada originalmente. Particularmente raramente faço uso, mas não nego que se você tá perdido, ela auxilia.

Créditos: Atlus

Quer conteúdo? então toma conteúdo

SMT V Vengeance tem muito conteúdo para você curtir se não quiser ir direto para as missões principais do jogo e ficar fortão. Ele não te oferece Biotônico Fontoura, mas tem entrega centenas de missões paralelas e desafios opcionais, alguns deles da DLCs que antes era vendida separada do jogo original, mas que encontra-se disponível no jogo base.

Há muitas delas bem interessantes para realizarmos, outras nem tanto, mas cumpre a função de estender ainda mais o nosso tempo com o jogo. Muitas delas servem para contextualizar as regras daquele universo em que demônios e anjos estão se digladiando em nome do seu salvador, seja ele Lúcifer ou Deus. Enquanto do outro temos demônios querem apenas voltarem a ser louvados, e entremeio a eles existem o querem viver a sua vida enquanto o parquinho pega fogo.

De qualquer modo essas missões adicionem ainda mais tempo de jogo para você gosta de um bom RPG de turno e gosta de grindar. Há também os abcessos, que são núcleos de demônios concentrados e que a medida que os derrotamos, desbloqueamos novas habilidades para Nahobino e isso permite que você personalize e molde os atributos ao seu gosto, assim como o uso de essenciais que vão permitir que você transfira habilidades ou mesmo absorva bloqueios.

Um detalhe que eu gostei ver nessa versão foi um que envolve desafiar demônios poderosos, e fazendo essas missões podemos enfrentar figuras conhecidas do universo de Shin Megami Tensei.

Créditos: Atlus

Conclusão

É louvável como SMT V Vengeance melhora muito o seu conteúdo original e ainda oferece uma nova experiência narrativa com o cânone da vingança. O hype criado com todos os pequenos vídeos e novidades que foram divulgados antes do seu lançamento foram correspondido com o produto final que nos foi entregue.

SMT V Vengeance é a versão definitiva que os fãs esperavam, entrega a experiência máxima que um RPG de turno de uma franquia tão famosa poderia oferecer. Ele vai te garantirá horas e mais horas de jogatina e até mesmo um replay, visto que poderá conhecer o modo original ou o novo, faça no seu tempo. Para quem não havia jogado o primeiro titulo, SMT V Vengeance é certamente uma compra obrigatória, pois o seu sistema de batalha apesar de turno, permite você avançar ou mesmo automatizar, o que agiliza o processo de grindar.

O único pecado cometido aqui pela Atlus foi com os fãs do Nintendo Switch, responsáveis pelo sucesso do titulo original, mas que infelizmente agora são forçados a comprar o novo jogo a preço cheio porque o original foi removido da loja.

No mais, SMT V Vengeance é um titulo obrigatório a todos os fãs de um bom jogo de RPG e serve como porta de entrada para aqueles que ainda não jogaram nenhum titulo da famosa série da Atlus.

Shin Megami Tensei V Vengeance está disponível para Nintendo Switch, PlayStation 5, PlayStation 4, Xbox One, Microsoft Windows, Xbox Series X e Series S.

Nota: 9,5 / 10

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Esta análise foi feita com uma chave digital de Xbox Series S cedida gentilmente pela Atlus.

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Dragons Dogma 2 | O chamado da Aventura

Diogo Batista — Sun, 21 Apr 2024 16:19:55 +0000

Dragon’s Dogma é um titulo que inicialmente não me trazia nada a memória, afinal, o primeiro titulo foi lançado em 2013 e eu nem sequer me aproximei do jogo. Mas com o lançamento de Dragon’s Dogma 2 e o furor que muitos fãs causavam a medida que a data do seu lançamento se aproximava, eu começou a ficar um tanto curioso.

O que será que jogo oferece de diferente de diferente se comparado a outros jogos de aventuras que tivemos ao longo dos anos. Oras, eu adoro Elders Scrolls, então será que esse titulo é capaz de suprir a ausência de um novo jogo de fantasia medieval?

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Com essa dúvida em mente e graças a Capcom que gentilmente nos cedeu uma chave de Series S|X, eu pude enfim desbravar esse universo desconhecido em busca de compreender o que torna Dragon’s Dogma único. E mesmo com algumas polemicas a cerca do titulo ainda durante as duas primeiras semanas do seu lançamento em março, eu me mantive centrado e acredito que isso permitiu que a minha experiência com o titulo não tenha sido comprometida.

Então convido vocês a invocar o seu peão, buscar seu kit de acampamentos e se juntar a essa aventura repleta de criaturas colossais e místicas.

Créditos: Capcom

Uma experiência que pode ser frustrante

Dragon’s Dogma 2 foi um dos poucos jogos que realmente me levou a refletir em como estava carente de jogos de aventura que não nos carrega no colo e afaga nossos cabelos.

Estamos tão habituados a todo momento ser carregado de um ponto A a um ponto B com viagens rápidas, que quando um jogo lhe força a literalmente caminhar até o ponto de interesse e ainda sofrer todo o desgaste da viagem até lá, você começa a perceber o quão frustrante pode ser coletar tudo o que vê pelo caminho ou simplesmente tentar atacar tudo o que se mexe ou respira em seu ouvido.

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Essa característica do jogo é uma daquelas que literalmente pode criar fãs ou simplesmente odiadores, como alguns afetados famosos do YouTube/ Twitch. Porque ele simplesmente exige que você comece a gerenciar recursos e avaliar muito bem o grupo antes de simplesmente aceitar uma missão e sair correndo em direção a ela. Há missões que apesar de serem simples, exigem que você tome cuidado, pois você pode simplesmente ser atacado por um grifo ou centenas de duendes que habitam pradarias, cavernas e etc…

Nesse sentido posso dizer que Dragon’s Dogma 2 é implacável com os erros do jogador, pois nem mesmo nos acampamentos estamos seguros e durante a noite enquanto acampamos, criaturas muito mais fortes por criaturas do que as encontradas durante o dia podem nos atacar.

Essa sensação de perigo constante nos deixa em alerta durante toda a jornada, o que nos proporciona uma boa imersão. Ai você pensa: Bem, fora das cidades você não está seguro, mas dentro delas eu consigo dar uma respirada, certo? Isso eu vou deixar você descobrir por si só.

Créditos: Capcom

Mas e as lojinhas?

Eu sei que provavelmente cairão nessa analise procurando entender algumas criticas a cerca do jogo, e posso dizer que não os culpo, mas vou digo que deveriam ser mais céticos e questionarem qualquer critica demasiadamente exagerada. Eu, no caso, posso falar somente sobre a minha experiência com o jogo, e deixarei incumbido a você, o leitor, extrair as informações que lhe atende de minhas analises.

No caso uma das polemicas que irei abordar por aqui é a microtransação de itens do jogo, que no caso é um item para uso de viagem rápida do jogo. O item em si se chama cristalporto e permite a você voltar a uma determinada localização onde o tenha posicionado, então supondo que você esteja muito longe e quer voltar a cidade que visitou recentemente, então basta usar a pedra-barca e você será teleportado para onde colocou o cristalporto. Lembrando que pedra-barca não podem ser utilizadas dentro de locais fechados.

Também podemos comprar pedras Vitalitas, que são um item que nos ressuscita e são difíceis de encontrar pelo jogo. Pra criar uma pedra é necessário 3 fragmentos, e pra ser sincero, nem vale a pena comprar isso. Isso vale também para outros itens, como a chave frágil da prisão.

Aproveito aqui para manifestar meu desapreço por microtransações quando isso lhe dá vantagens nos jogos competitivo, ou mesmo que impeça que você tenha acesso ao conteúdo em sua totalidade, como ocorreu com Asuras Wrath’s, em que o verdadeiro final estava em uma DLC.

No caso de Dragon’s Dogma 2 isso tá longe de comprometer a sua experiência no jogo. Compra quem quer, mas dá pra brincar tranquilamente sem tirar um real da carteira a mais.

Créditos: Capcom

Pera, mas e os problemas?

Outro ponto, esse está mais atrelado ao jogo em si é as texturas do jogo que buga com uma frequência relativamente alta. No caso eu estou jogando em um Xbox Series S, e todas as vezes que pausava, mesmo que rapidamente, ao voltar para o jogo, era perceptível o tempo de carregamento da textura.

Em alguns momentos, principalmente com vários efeitos de magias e inimigos em tela senti uma leve queda de frame, mas notei isso raríssimas vezes e logo na semana do lançamento, antes de alguns patches. Fora isso, não tive qualquer outro problema.

Também cabe criticas ao sistema de salvamento do jogo que não permite a criação de vários salvamentos. Ele basicamente te coloca na tela inicial e você começa de onde parou, então se você quer ter vários saves diferente, infelizmente não vai rolar. O que para mim não faz sentido algum. Eu realmente espero que isso possa vir a ser corrigido futuramente até para facilitar aqueles que gostam de começar várias save ao mesmo tempo só pra fazer escolhas diferentes. Se isso é uma das características do jogo, não sei responder, mas é algo que deveria ser mudado.

Pra fechar esse tema dos problemas, e sequer é um problema, vale citar que sua trilha sonora apesar de boa é pouco marcante, e aqui faço uma comparação com a de Elder Scrolls V, que é a minha referência para uma boa trilha sonora de aventura com pegada medieval. Já a de Dragon’s Dogma 2 ela só é OK, o que é um pouco triste.

Créditos: Capcom

Uma aventura de verdade com um gameplay de verdade

O clima de aventura permeia Dragon’s Dogma 2 e faz com que missões aparentemente simples acabem se tornando extremamente grandes e complexas de serem finalizadas. Ouso dizer que é um dos poucos jogos que realmente me trouxeram aquela referência ao clássico A Caverna do Dragão.

Imagine você está atravessando um campado somente para chegar em outra cidade e entregar uma carta, mas no caminho você se depara com um dragão dormindo. Tenta passar na surdina, mas você, um Nascen que compartilha o coração de uma dragão, o desperta só por estar próximo. O grupo parte para o combate e a cada golpe desferido, você percebe que o dragão está cada vez mais e mais agressivo.

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Essa mudança que sentimos durante o combate é simplesmente prazeroso realmente me conquistou. Em vários momentos eu senti a urgência de que deveria fugir, isso por conta do cansaço do grupo que atravessará a noite caminhando ou o equipamento que precisava ser trocado, visto que não correspondia ao nosso nível.

Então decido fugir e corro em direção a um santuário, e o que acontece? O dragão simplesmente se lança contra o santuário e entra ali. Começa uma luta onde meus recursos vão se esvaindo, companheiros perdendo suas vidas. Preservo o máximo de vida que possuo e começo a lançá-los através da janela para conseguir revivê-los antes do dragão conseguir sair do santuário.

Poder vivenciar uma experiência tão divertida e desafiadora realmente desperta no jogador uma euforia, que faz com que você não queira mais parar de jogar.

Créditos: Capcom

O Combate e suas classes

O sistema de combate de Dragon’s Dogma 2 consiste em um botão de salto, corrida e dois de ataque, sendo que pressionar uma das defesas você seleciona golpes especiais da classe em que você está usando. E a medida que você vai evoluindo na classe, novos golpes e técnicas vão sendo liberados e você poderá desbloqueá-los indo até uma guilda.

Ao todo temos 9 classes para selecionarmos, mas somente três delas inicialmente estão disponíveis, são elas Combatente (classe inicial), Arqueiro e Ladrão. No meu caso eu estou jogando de Guerreiro, o que me deixa utilizar espada de duas mãos e martelos grandes, e para conseguir essa classe é necessário a realização de uma missão paralelas. O que também acontece com as outras classes, elas só ficam disponíveis no momento em que você cumpre alguma missão, ai basta ir até a loja da guilda e equipá-la.

Vou listar abaixo todas as classes disponíveis no jogo:

Combatente
Arqueiro
Ladrão
Mago
Guerreiro
Arqueiro Mágico
Lanceiro Místico
Ilusionista
Chefe de Guerra

Sendo franco com vocês, não fui atrás de todas ainda, mas irei atrás principalmente da classe Chefe de Guerra por permitir que usemos todas as técnicas das outras classes juntas. Deve ser no mínimo intrigante dominar o personagem com tantas técnicas.

Nessa minha primeira jornada eu sigo com meu peão na classe de ladra (e sempre esquecendo de melhorar o equipamento dela), e com outros recrutas: Uma maga e uma arqueira. Como uso de um guerreiro, os golpes são fortes e consigo suportar ataques físicos, além de ainda ganhar buffs da maga.

E ainda sobre o combate, ele é simplesmente viciante, pois cada golpe você sente que realmente está causando dano com a arma que usa. Uma espada grande de duas mãos sendo atirada contra um ciclope gigante usando proteção de ferro e você consegue ter a sensação de que aquilo está sendo crível dentro do jogo. Não é como em Elder Scrolls que usar uma espada é como bater em nada.

Um aspecto importante e que você precisa ficar de olho é nos pontos de habilidade dos peões. Tanto você quanto os peões ganham pontos de habilidades de maneira individual, então você precisa melhorar as habilidades do seu peão e as suas, além de equipar habilidades passivas que podem agregar mais vitalidade, capacidade de maior de carga e por ai vai. Um peão bem equipado e com boas habilidades vai ser emprestado com uma frequência maior e isso lhe trará melhores recompensas.

A parte triste é que não devemos nos apegar aos peões que invocamos, eles infelizmente não ganham nível e a medida que ficamos mais fortes, precisaremos de recrutas mais fortes. Eu sei, me entristeceu ter que mandar o arqueiro seminu embora.

Créditos: Capcom

Os peões

Os peões são personagens que vão lhe acompanhar durante toda a jornada, e eles serão os vínculos com mais jogadores no online, que usa um sistema de empréstimos remunerados. Calma, explico.

Você criará o personagem usando a ferramenta de criação da maneira que você quiser, e a partir dai você pode equipar classe e habilidades. Uma vez criado, o personagem fica disponível para outros jogadores podem invoca-lo e tê-lo como companheiro durante as partidas. O peão invocado não vai ganhar níveis durante esse tempo emprestado, ele só evolui enquanto está em partida contigo.

Uma outra característica interessante é que se você invoca um peão e ele já tenha feito uma determinada missão com o seu criador e você não, ele vai se oferecer para guiar você até o ponto da missão. Em outras ocasiões eles também costumam conversar entre si durante a jornada e comentar sobre situações que tenham vivido ao lado de seus respectivos criadores, o que podemos dizer que é uma adição muito legal.

Essa adição em alguns momentos me tirou boas risadas, uma delas aconteceu enquanto eu contava apenas com peões femininos, e eles começaram a conversar entre si, ai uma delas dispara que já teve um Nascen que só por algum motivo que ela desconhecia, recrutava apenas mulheres.

Créditos: Capcom

Os inimigos e sua dificuldade

Tudo pode te matar dentro em Dragon’s Dogma 2, e chega a ser bizarro como um único vacilo pode fazer com que você simplesmente morra. Morrer nesse jogo significa gastar uma pedra vitalita que fará você ressuscitar ou voltar no ultimo save que você fez, ou na última dormida em uma pousada. Para terem uma ideia, vitalita precisa de 3 fragmentos para se conseguir uma, e você não as encontra facilmente.

E apesar de inicialmente você ter uma impressão que não exista uma variedade de inimigos no jogo, eles estão lá e são comuns em determinadas áreas do mapa. Quando você passa a seguir a trama principal, você chegará de forma mais rápida a outras localidades. Rápida no sentido de que demorará menos tempo em comparação ao que investe fazendo paralelas.

Você vai se deparar com golens de pedra, ciclopes, harpias, ogros, trolls, grifos, duendes, minotauros, fantasmas, esqueletos ressuscitados, zumbis, lobos e suas variações e uma amoeba insuportável de se enfrentar, além de bandidos. Tudo isso está lá só esperando pra te infernizar.

Como disse alguns parágrafos acima, não importa o seu nível, se vacilar você vai morrer. Um ataque de lobo pode simplesmente te derrubar e ele te arrastar para longe do grupo enquanto você se debate, e ele continuará investindo contra você. Com sorte um dos membros do seu grupo pode chegar a tempo, mas dependendo da localidade e condições, morte certa.

Essa imprevisibilidade é realmente maravilhosa e torna o jogo ainda mais desafiador, afinal, se o inimigo de forma involuntária atacar ao mesmo tempo que outro, você raramente vai ter alguma chance de lidar com ambos ao mesmo tempo, sendo necessário você avaliar desde o terreno e até mesmo as condições do grupo para aparar os ataques ou simplesmente evadir o mais rápido possível.

Créditos: Capcom

Uma lufada de ar fresco

Com tão poucos estúdios que pouco ousam ou simplesmente replicam um gênero em alta ou um roteiro demasiadamente pretensioso, Capcom, mais uma vez investe em algo “novo” com Dragons Dogma 2, onde o titulo mantém suas características próprias e corre o risco de causar estranhamento em muita gente não teve contato anterior.

Os fãs com toda a certeza devem ter ovacionado a experiência que teve com o titulo, pois consegue ser grandioso em muitos aspectos, seja por seu editor encorpado que nos possibilita recriar figuras conhecidas do mundo pop ou sua jogabilidade divertidíssima e até sua história que é bem legal. E não estou dizendo que não exista problemas, como NPCs não muito espertos ou a musica que não corresponde a magnitude da jornada, mas ele acerta tanto que tudo isso é simplesmente passável.

Dragons Dogma 2 definitivamente vai corresponder as expectativas de quem já era fã do primeiro titulo, mas também vai agradar muito aqueles quem decidirem encarar o chamado da aventura e a jornada de Nascen. Talvez o preço esteja um pouco elevado, no Xbox está custando R$ 336,00. Vale a pena pegá-lo durante uma promoção, sem sombra de dúvida.

Dragon’s Dogma 2 está disponível para PlayStation 5, Xbox Series X e Series S, GeForce Now, Microsoft Windows.

Nota Final: 9/10

Créditos: Capcom

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Esta análise foi feita com uma chave digital de Xbox Series S| X cedida gentilmente pela Capcom.

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Nota Final: 9/10

Nota do game original: 8,0/10
Nota do remaster: 6,0/10