A história de Mixtape

Sem dar muitos spoilers, o jogo conta a história de um pequeno grupo de adolescentes que quer passar a última noite antes do fim do colégio numa pequena cidade do interior dos Estados Unidos. Um dos personagens planeja ir para Nova York buscar seus sonhos, e o grupo quer aproveitar essa última noite juntos. O jogo gira em torno disso, de pequenas aventuras que levam até a festa em que eles querem participar. Envolve muito essa temática de amadurecimento, o chamado coming-of-age, que foi muito popular nos filmes dos anos 80 dirigidos ou escritos por John Hughes, como Curtindo a Vida Adoidado, A Garota de Rosa Choque e Mulher Nota 1000. Eram filmes sobre a transição da adolescência para a vida adulta, e esse “jogo”, se é que podemos chamá-lo assim, traz exatamente esse tipo de sentimento, acompanhado de uma trilha sonora extensa de músicas populares da época. O problema é que ele não trata nada disso com as características de um videogame. Ele se comporta muito mais como um filme interativo.

O jogo não quer que você controle o personagem de maneira dinâmica ou através de mecânicas bem trabalhadas. Não existe uma mecânica central. O que você tem são interações simples, como apertar um botão para ligar a luz interna do carro ou controlar um personagem descendo uma ladeira num carrinho de compras. Na prática, são vinhetas interativas. É como aqueles menus de DVD onde você aperta um botão para inflar um balãozinho. Isso, na minha opinião, mal pode ser considerado um jogo. São momentos em que você aperta um botão e, assim como um brinquedo de criança, algo acontece na tela para que você sinta que está participando. O que desfaz completamente qualquer narrativa de interação é que o jogo se joga sozinho em boa parte do tempo. Existem diversos gameplays postados na internet onde a pessoa simplesmente larga o controle e a cena continua normalmente. É uma experiência que não exige interação 100% do tempo. Você não precisa participar se não quiser.

Isso é algo que dá para associar à própria identidade da publisher, a Annapurna. O último grande sucesso deles foi Stray, um jogo também focado em narrativa e atmosfera, mas onde você de fato interagia com o mundo: subia em plataformas, pulava, explorava o cenário, melhorava seu personagem. Isso é um jogo. Mixtape vai na pegada do Walking Simulator, só que é um Walking Simulator muito caro, com uma trilha sonora licenciada que deve conter mais de 27 músicas de bandas dos anos 90 e um estilo visual que lembra bastante o Spider-Verse, com framerate baixo nos personagens de forma proposital. Tudo isso poderia ter sido contado como um filme, ou um curta. Não vejo necessidade de existir como experiência interativa, a não ser pela decisão da Annapurna de publicá-lo como jogo. E o que me surpreende é que a mídia especializada, pessoas pagas para analisar jogos profissionalmente, não parece perceber algo tão simples: esse “jogo” deveria ter sido um filme.

Outras críticas vão além do gameplay e chegam à própria narrativa. Essa temática de amadurecimento já está bastante batida em videogames. O jogo não procura fazer nada de novo. É uma fórmula que se renova a cada década, presente nos anos 80, nos anos 90, em 2010, e continua aqui. Mas é uma nostalgia cercada de falsas impressões, uma ideia um tanto surreal e utópica de como seria esse crescimento. Óbvio que é ficção e pode ser escrita como os criadores quiserem, mas aqui ela é apresentada de maneira esquecível. O humor é totalmente baseado em clichês, e os personagens têm personalidades fracas, reféns de estereótipos.

Por que esse jogo está sendo tão elogiado pela mídia?

Mixtape teria sido até bem recebido, mesmo com pouca interação, se não tivesse sido mundialmente ovacionado com notas absurdas de 10/10 e 9/10. Enquanto isso, outros jogos que saíram no mesmo período, como Pragmata, receberam notas menores mesmo tendo ideias mais originais e mecânicas de gameplay muito superiores. E esse é justamente o motivo pelo qual consumimos videogames: para jogá-los, não para assisti-los como filmes.

A grande questão aqui é a produtora. A Annapurna Interactive foi fundada por Megan Ellison, filha do bilionário Larry Ellison, um dos co-fundadores da Oracle. Mixtape está sendo divulgado como um jogo indie por causa da estética, mas não é indie de forma alguma. É um jogo feito com dinheiro de bilionário, o que justifica a trilha sonora caríssima, as técnicas de animação sofisticadas e o uso de engines que têm custo real. Não é um projeto de baixo orçamento. Fora isso, a Annapurna construiu ao longo dos anos uma relação próxima com jornalistas, principalmente da mídia americana. Isso gera uma desconfiança natural, ainda mais quando se sabe que a empresa distribuiu press kits caros contendo a trilha sonora do jogo e outros mimos. Não estou dizendo que o jogo é mal avaliado por causa dos presentes, mas é difícil negar que esse tipo de coisa torna a crítica tendenciosa.

E tem mais: o jogo funciona como o equivalente nos videogames do que chamamos de Oscar Bait no cinema. Ele tem uma narrativa que trabalha com nostalgia e que foge completamente do padrão. Em um mercado onde um jornalista precisa jogar dois RPGs de 40 horas por semana, pegar uma experiência de 3 horas que é simples e diferente soa como um alívio. Assim como eu fico feliz quando pego uma planilha pequena no trabalho, esse recesso mental já predispõe o jornalista a receber bem o jogo, independente da qualidade. Some a isso os press kits e, ainda, o fato de a narrativa do jogo ter uma tendência progressista claramente alinhada com o pensamento dominante de grande parte das pessoas que trabalham nessa mídia. Isso não é uma crítica, é uma constatação: se o jogo fala a língua de quem o avalia, ele será bem avaliado.

O tal mini-game do beijo de língua

O exemplo que eu gostaria de dar para ilustrar como a narrativa progressista do jogo agrada aos jornalistas é esse mini game. Em determinado momento, os personagens se beijam, provavelmente o primeiro beijo de um deles, e você pode interagir com a língua dos dois num zoom ao estilo Mortal Kombat, sabe aquele raio X que mostra o osso quebrando? É quase isso. A ideia é ser deliberadamente estranho e desconfortável.

Agora faça o exercício: como isso seria recebido se fosse um jogo japonês, com personagens adolescentes tratados de forma cômica, roupas características do estilo anime, talvez um decote maior, e uma cena de beijo interativa semelhante? A mídia cairia matando. Em Mixtape, porque a estética é “artística” e vem da Annapurna, isso é recebido de forma muito mais tranquila.

É consideravelmente tabu colocar adolescentes se beijando de forma interativa em um jogo onde você, provavelmente um adulto com o dobro da idade deles, controla essa interação. Você pode argumentar que o contexto de Mixtape não é sexual, mas nos jogos que uso como contraponto também não é necessariamente sexual. A experiência é a mesma: dois adolescentes se beijando com a participação do jogador. Eu sinceramente não acredito que nenhum dos dois casos seja um problema real. Mas por que um é elogiado e jogos medievais com armaduras femininas mais curtas são friamente criticados? Eu sou a favor de que tudo seja tratado pelo que realmente é, dentro da lei, sem os dois pesos e duas medidas que a crítica profissional adora aplicar.

O que podemos concluir sobre o estado atual do jornalismo de games?

Chego ao fim desse texto com uma sensação de tristeza, porque eu genuinamente adoro ler análises de videogame e acompanhar pessoas que falam sobre o assunto. Tenho criadores que admiro muito, alguns que sigo desde a época das revistas impressas, como a Nintendo World aqui no Brasil. E fico triste que a polaridade política e os vieses ideológicos sejam fatores tão presentes e que influenciem tanto as análises.

Esse jogo poderia ter sido bem recebido sem todo esse marketing forçado. Se as notas não tivessem sido tão infladas, provavelmente não teria gerado tanta reação negativa. Esse é o efeito elástico que mencionei no início. Não quero dizer que é uma obra sem valor; ele tem seu público. Mas é um jogo com pouca interação, uma história batida e uma apresentação honesta de algo financiado com muito dinheiro, vendido como indie.

O que me incomoda de verdade é que os jornalistas são literalmente presenteados com press kits caros, convidados para entrevistas com os produtores, e isso acontece com grandes outlets como a IGN e canais relevantes no YouTube. São seres humanos que encontram um jogo que ecoa muito de suas impressões sobre o mundo e, ao mesmo tempo, são beneficiados por pequenos mimos. Isso deixa a análise tendenciosa. É algo que você não vê, pela natureza do trabalho, no jornalismo investigativo ou policial. Então até que ponto o jornalismo de games deixa de ser jornalismo e se transforma em propaganda, paga ou não? Eu deixo essa reflexão para vocês.

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O que temos aqui é um FPS ao estilo clássico, como Doom e Wolfenstein, mas que mistura a jogabilidade do gênero com uma história de investigação, se passada numa versão dos anos 1930 mas num mundo de camundongos. Mas será que essa mistura inusitada de estilos faz sentido? Veremos abaixo.

Do que se trata Mouse P.I?

Esse é um game que fica difícil estruturar um review padrão, onde falamos da jogabilidade e depois da história em tópicos separados. Isso ocorre, porque ambos andam bem juntos, apesar de constituirem duas partes bem distintas do jogo.

No game, controlamos Jack Pepper (dublado pelo versátil Troy Baker), um ex-policial que agora é detetive bem no estilo dos filmes noir: cansado de tudo, melancólico e que narra a história pra si mesmo. Pode entender como um Max Payne com orelhas de rato.

Nessa narrativa, ele se envolve em diversos casos que se intercalam, e entre investigações e coletas de provas e evidências, o jogador vai trocar muito tiro com inimigos, que é o grosso do gameplay de Mouse P.I.

Tiroteio à moda antiga

Apesar de Mouse P.I ser um game de 2026, o título indie aqui tem bastante inspirações de arena shooters de outrora, como Doom, Wolfenstein e até de Serious Sam. O fato dos personagens serem de “papel” também ajuda a dar esse look retrô que somados à movimentação rápida e pelas arenas onde alguns dos tiroteios ocorre, faz com que o jogo tenha uma pegada mais ágil que cinemática, focada em fazer o jogador pensar rápido, trocar de armas quando necessário e se movimentar e pular pelo mapa à fim de evitar morrer — coisa essa que vai acontecer várias vezes mesmo para os mais experientes.

A variedade de armas é interessante. O game possui os tipos padrões de armas do gênero: pistola, shotgun e metralhadora, mas somadas a essas têm outras coisas fora da curva, como dinamite e uma arma que derrete os inimigos com uma gosma ácida.

As animações das armas são muito bem feitas, e em termos de games, é tão fluida quanto o que você vê em Cuphead (até porque os estilos de artes são similares).

Suas armas também podem ser melhoradas, mas isso tem pontos bons e ruins: por um lado, ter uma progressão que faça com que o jogador se sinta mais forte ao longo do jogo é bacana, porém o contraponto é que de início, todas as suas armas parecem pistolinhas de espoleta (até mesmo a shotgun). Assim, as primeiras horas do jogo fazem você sentir que tem algo faltando para a experiência.

Outro fator negativo no combate é a parte sonora. Todas as armas soam como bombinhas e não dão o feedback que faz com que jogos do gênero sejam populares.

Narrativa

Entre os tiroteios, Jack deve andar pela cidade de Mouseburg investigando alguns possíveis crimes. Tudo começa quando sua amiga jornalista, Wanda Fuller, chama Jack para investigar o sumiço de um mágico da cidade — que também é um velho parceiro de guerra de Jack — . Durante a investigação, Jack salva um político e também antigo conhecido seu, Cornelius — um ratão bem gordo — que o dá uma pista para um laboratório secreto do rato desaparecido. Lá, você encontra um bando de cultistas (!) e aí a história vai se desenrolando.

A narrativa é complexa, com diversos personagens que falam bastante. Ao encontrar provas, Jack pode voltar ao seu escritório e colá-las em um mural, onde ao juntar evidências suficientes, mais pontos de narrativa podem ser explorados.

Você, como jogador, pode explorar as áreas de Mouseburg conforme elas vão sendo desbloqueadas, mas não se intimide com a parte “detetivesca” do game; é uma narrativa onde o jogo te pega pelo braço e simplesmente te diz o próximo lugar que você deva ir. Seria interessante que o game realmente obrigasse o jogador a pensar sobre quais os próximos passos, mas nos dias de hoje, acho muito difícil que os devs levariam o game para esse lado.

Gráficos e trilha sonora

Você já deve ter percebido que o game é todo em preto e branco. Foi uma decisão interessante que faz com que o game tenha um estilo visual único, porém, jogar um FPS onde existem somente 3 tons na tela o tempo todo fica realmente cansativo com o passar do tempo.

Graficamente, o jogo tem um estilo simples. Os personagens são animados em 2D, com muitos frames de animação, assim como suas armas. Já os cenários são em 3D, mas em nenhum momento isso causa incômodo. Talvez a escolha do preto e branco facilite essa mescla de 3D com 2D, favorecendo bastante o visual de Mouse P.I.

Já as músicas tem um estilo obviamente inspirado no que se ouvia em 1930: muito jazz e aquele som um pouco abafado que poderia estar vindo de uma vitrola. As músicas de ação são bastante animadas, com bastante saxofone e baixo. Tem até algumas músicas um pouco fora da curva, como “Good Mouse“, que toca na vitrola dos bares:

Veredito

Mouse P.I For Hire é um FPS fora da curva. Não é competitivo e não chega a ser totalmente arena shooter. Ele lembra o que se fazia na época do Bioshock, com muitos elementos narrativos que permeiam todo gameplay, que não é somente focado no tiroteio. A sua narrativa é interessante e a dublagem, trilha sonora e estilo visual com base em cartoons dos anos 1930 geram uma atmosfera bem prazerosa de se experienciar.

Apesar disso, o feedback sonoro dos tiros não oferecem uma experiência perfeita, estando um pouco abaixo do que se espera do gênero.

Com mais de 14 horas de jogo e uma história realmente interessante, Mouse P.I não é um joguinho bobo só por ter estilo de arte cartoon, e é bom que jogos indies estejam cada vez mais distantes dos mesmos jogos de plataforma pixel arte de outrora.

Nota 7.0/10

Mouse P.I For Hire está disponível para PlayStation 5, Xbox Series S|X, Switch 2 e PC. Esta análise foi feita na versão de PC, com uma cópia gentilmente cedida pela PlaySide Studios.

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No final do século 20, os jogos da Disney estavam adentrando o mundo 3D. Mickey Speedway USA era uma espécie de Mario Kart feito por ninguém mais, ninguém menos que a própria Rare, para o Nintendo 64. Toy Story 2 também deu as caras nessa época para todos os consoles da época e foi muito bem recebido. Mas e esse jogo do Donald? Quem viveu a época das revistas de games naquele período com certeza viu MUITAS propagandas desse game; Donald com cara de enfezado, com o título do jogo com aqueles caracteres impossíveis de se ler, ainda mais se seu conhecimento de inglês era limitado. “”Qu@c!kers”? Que diabo é isso?

Bem, explicando o título: “Going Quackers” é um trocadilho com “Going crackers”, ou seja, ficar louco. O Quack você já sabe, eu espero. E eu já adianto que o que mais me DÓI é que esse jogo saiu com dublagem em português na versão de PC e não traduziram o título como “Pato da Vida”. É uma tristeza enorme dentro de mim.

Crash Bandipato

A Ubisoft Casablanca (estúdio com base em Marrocos, vejam só vocês) foi bem SAFADINHA ao fazer esse game. Logo de início você percebe que o jogo te coloca num hub com alguns teletransportes, cada um te levando pra uma fase. Ao entrar na primeira, você vê que o caminho é um corredor pra frente e a câmera fica atrás do nosso amigo pato. O que será que isso te lembra? Um certo marsupial laranja, correto?

Então, meus amigos, Donald Duck Goin’ Quackers é literalmente um clone de Crash Bandicoot. Um clone mais fácil, eu diria. Algumas fases são nessa progressão vertical, enquanto outras são em scroll lateral. Diferente de Crash, Donald não precisa pegar todas as frutas da fase. Aqui os itens equivalentes às frutas são estrelinhas, mas elas só servem pra te dar mais vidas. Juntou 100, ganhou uma vidinha a mais.

Já os coletáveis da vez são os brinquedos dos seus sobrinhos (Huguinho, Zezinho e Luizinho, para quem esqueceu). Existem três por fase e eles só aparecem após ativar um livrinho que aparece no caminho. Daí você tem alguns segundos pra encontrar o brinquedo e coletar. Nunca é muito difícil, mas é legal essa mudança de paradigma onde os coletáveis aparecem com limite de tempo.

Além disso, toda fase tem uma peça de quebra-cabeça. Ao juntas os quatro de cada mundo, você libera a fase do chefe pra poder ir pro próximo.

Não bastasse isso, ainda tem uma fasezinha extra onde você corre em direção a tela, fugindo de algum inimigo que vem por trás destruindo tudo. Sim, mais uma vez, igual aos jogos do Crash.

Dificuldade e duração

Donald Duck Goin’ Quackers é um jogo CURTO. Eu zerei ele em menos de 3 horas, e isso porque eu me dei ao trabalho de pegar todos os coletáveis. Demorei mais uma horinha pra refazer todas as fases no Time Trial, à fim de desbloquear as roupas extras pro Donald (das quais eu nem cheguei a usar muito porque não tinha mais o que fazer no jogo).

A sua dificuldade é bem mais simples se comparada à dureza de um Crash da época do PS1. O jogo não chega a ser simplório, feito totalmente pra crianças abobadas; ele apresenta uma dificuldade legal, mas para os que já manjam de videogames, o gameplay pode ser encarado como um Subway Surfers desses que tem no celular. Tente passar das fases sem soltar o analógico pra frente e vai ver que o fluxo de gameplay fica bem gostoso e aceitável.

Já os time trials exigem que você jogue quase que de forma perfeita em cada fase. Esse desafio à mais dá uma pequena (mesmo) longevidade a um jogo que possui apenas 20 fases (desconsiderando os quatro chefes).

Veredito

A Ubisoft entregou um joguinho bem divertido do Pato Donald nos anos 2000. Donald Duck Goin’ Quackers é sim um clone simplificado de Crash, mas feito com muito talento.

Não tenho como não recomendar um jogo de plataforma como esse: simples, com desafio na medida, que pode agradar tanto os adultos quanto seus filhos, que carecem de jogos do gênero feito pra eles. Se você se interessa pela história dos games e quer algo que você com certeza vai tentar zerar e fazer 100% ao invés de só jogar alguns minutos, esse pode ser um ótimo candidato. Inclusive ele é perfeito pra lives no YouTube.

Nota 7,0/10

Donald Duck: Goin’ Quackers foi lançado para PC, Nintendo 64, Dreamcast (versão analisada). Além disso, existem versões distintas para PS1, GameBoy Advance, PS2 e Gamecube.

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Ambientação e história

O jogo se passa num futuro próximo, não tão próximo assim, onde uma empresa chamada Delphi Corporation dominou o uso de impressão 3D em larga escala, inclusive em operações espaciais. A Delphi tem uma base na Lua chamada de Berço, e quando a comunicação entre a Terra e a base é cortada, um grupo de operários é enviado para investigar. Um deles é Hugh, o protagonista.

A chegada à Lua não demora muito para dar errado. Um tremor, tecnicamente um lunamoto, causa um acidente que separa ou mata os outros membros da equipe, e Hugh acaba sozinho e ferido. Quem o salva é D-I-0336-7, uma androide com aparência de criança de uns seis, oito anos, que Hugh passa a chamar de Diana. Os dois logo descobrem que o administrador da base, uma IA chamada IDUS, enlouqueceu e está enviando os robôs do Berço para eliminar qualquer ameaça, leia-se, os dois. O objetivo passa a ser simples: descobrir o que aconteceu com o IDUS e voltar para a Terra.

A narrativa não tem medo de ser direta. Ela tem começo, meio e fim bem definidos, um plot twist no caminho que você provavelmente vai prever antes de acontecer, e não tenta ser maior do que precisa. Não tem uma trama cheia de camadas e filosofia barata, não tem personagens traumatizados com passados obscuros sendo revelados em flashbacks dramáticos. É uma história que poderia ser contada como um livro infantil e isso nos dias de hoje, é um enorme elogio.

Jogabilidade

Pragmata é um jogo de terceira pessoa com um sistema de combate que se afasta bastante do padrão do gênero. Você tem acesso a uma variedade considerável de armas, algumas você encontra pelo caminho, outras pode imprimir em estações espalhadas pela base, num uso inteligente da premissa de impressão 3D da própria história. Tem shotgun pra combate corpo a corpo, laser que aquece antes de disparar, armas que lançam drones, hologramas pra distrair inimigos, entre outras. A variedade é real e cada arma tem uma utilidade concreta dependendo da situação.

O detalhe que diferencia o combate de tudo é o sistema de hack. Os robôs inimigos têm uma defesa alta, e para abri-la você precisa chamar a Diana, que inicia um minigame no canto da tela: uma espécie de grade de nodes que você precisa navegar até o ponto de hackeamento. No PC com mouse é intuitivo, você literalmente desenha o caminho com o cursor. No controle, a solução foi usar os botões de face (quadrado, triângulo, X e bola) para navegar pelos quadradinhos, o que funciona, mas exige um pouco mais da cabeça e às vezes faz falta o D-pad como alternativa.

Esses nodes do sistema de hack podem ser aprimorados ao longo do jogo. Dá pra usar um que hackeia vários inimigos ao mesmo tempo, outro que causa stun e permite um finalizador corpo a corpo, outro que maximiza o dano. Tem profundidade real no sistema, mesmo que ele possa parecer repetitivo em alguns momentos, especialmente no modo normal, onde você vai hackear absolutamente tudo o tempo todo.

Fora o combate, o jogo tem bastante mobilidade: pulos altos, dashes que lembram Mega Man, e uma movimentação que favorece quem quer jogar de forma mais agressiva do que estratégica. Não é um jogo de cover tipo Gears of War. É mais plataforma do que shooter, na verdade.

A progressão dele é especialmente boa porque entre os save points, é possível voltar para a sua base e melhorar seu equipamento. Esse loop de avançar no jogo, e gastar seus pontos com melhorias é bastante gratificante, e os que tiverem paciência vão puder simplesmente ficar voltando nas áreas anteriores pra upar o personagem ao máximo. Não que seja necessário, pois eu zerei sem fazer nenhum tipo de grinding. Não é um jogo que efetivamente te exige isso e apenas algumas lutas exigem que você, pelo menos, tenha melhorado um pouco seus atributos e armas.

Existe também um menu de desafios à la VR Missions de Metal Gear Solid, onde Hugh deve fazer diversas missões em um ambiente virtual para ganhar moedas que podem ser usadas para desbloquear itens. É um conteúdo opcional por ser mais desafiador, mas é onde você realmente aprende as mecânicas do jogo. São 30 no total e os últimos 20 vão exigir tanto de você que eu recomendo que tire um dia pra fazer só isso no jogo, pois alguns deles são especialmente estressantes, como o último por exemplo.

O jogo todo dura mais ou menos entre 10 a 13 horas, dependendo de quanto tempo você passe explorando todas as áreas à fim de coletar tudo e após isso, ainda existe um pequeno conteúdo que pode ser jogado após terminar a história principal, adicionando um pouco mais de desafio e longevidade ao game.

Gráficos

Pragmata roda na RE Engine, a engine própria da Capcom desde 2014 e que vem sendo aprimorada consistentemente. É uma engine funcional, bem otimizada, que roda suave em praticamente qualquer hardware atual. Joguei no PS5 base sem Ray Tracing e sem nenhum problema. Vi também a demo rodando no PC com Path Tracing e os reflexos ficam impressionantes, mas isso é bônus. O jogo base já é sólido.

A paleta visual é bastante específica: muito branco, azul e gelo, com alguns elementos escuros que a história justifica. É uma estética limpa, quase clínica, que combina com a ambientação lunar. Lembra um pouco Death Stranding na forma como usa o design de ambiente pra criar identidade, inclusive a temática de impressão 3D é parecida. Não é um jogo graficamente deslumbrante, mas é consistente e agradável de olhar.

O ponto fraco é o mapa. O jogo tem um no menu de pause, mas ele não rastreia sua posição atual. É, na prática, inútil. Para um jogo que exige backtracking pra coletar itens deixados pra trás, isso incomoda. Não chega a ser um problema grave porque a ambientação guia bem visualmente, mas um mapa funcional faria diferença.

Diana e a vontade de ser pai

Não dá pra falar de Pragmata sem falar de Diana. A personagem é uma androide com aparência de criança, parceira constante do Hugh durante toda a aventura, e é ela quem faz boa parte do trabalho emocional do jogo sem nem precisar forçar isso.

O que impressiona é o cuidado com que ela foi escrita. Numa indústria cheia de personagens infantis que são ou irritantes ou exageradamente precoces, Diana é simplesmente uma criança, com idiossincrasia de androide, claro, mas tratada com uma singularidade que raramente aparece nos jogos. As falas dela não se repetem demais, nunca são irritantes de ouvir, e a dublagem em português é excelente. A dubladora é uma criança de 12 anos, algo que nem a versão americana nem a japonesa replicaram, e isso faz diferença perceptível na naturalidade das falas.

Desde o lançamento, o jogo disparou um debate na internet sobre a vontade de ser pai que ele desperta em quem joga. Tem exagero no que circula por aí, não é que todo mundo vai querer ter filho amanhã por causa de um videogame, mas a discussão faz sentido. O Japão vive uma crise de natalidade real, alimentada em grande parte por uma geração que cada vez menos vê valor em abrir mão da própria vida por uma família. Um jogo que retrata isso com tanto carinho, feito por uma empresa japonesa, não parece coincidência. É, no mínimo, uma sementinha.

Veredito

Pragmata me lembrou jogos da geração do PS3, aqueles games japoneses com estética meio ocidental, ambientação fechada, narrativa linear e sem pretensão de ser um épico. Lost Planet, Vanquish, essa galera aí. Jogos que existiam pra ser jogos, entregavam o que prometiam e não tentavam reinventar o meio.

Seis anos de desenvolvimento pra um jogo assim pode soar excessivo, e talvez seja. Mas o resultado é um jogo que funciona, que tem identidade, que entrega personagens simpáticos e um combate com mais camadas do que parece na superfície. As críticas que tenho são pontuais: o mapa inútil, o hack que pode cansar no controle, o espaço exploratório que é pequeno demais pro tempo de desenvolvimento que o jogo teve. Nada disso derruba o conjunto.

Mais do que tudo, Pragmata é um argumento concreto de que ainda vale apostar em IPs novas. A Capcom criou algo original, fora das franquias conhecidas, e o jogo vendeu bem. Tomara que sirva de exemplo.

Nota: 9/10

Pragmata está disponível para PlayStation 5, Xbox Series S|X, Nintendo Switch 2 e PC. Esta análise foi feita com base na versão de PS5 com uma cópia do game cedida gentilmente pela CAPCOM.

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Com algumas horas de jogatina nas costas e avançando lentamente pelo mapa enquanto controlo Grace Ashcroft, posso dizer que o jogo faz questão de lembrar o jogador de algo que a série sempre fez muito bem: criar tensão. Seja pela escassez de recursos, pelos corredores escuros ou pelos encontros inesperados com criaturas que claramente não deveriam estar ali.

Resident Evil Réquiem marca o nono capítulo da franquia principal e chega com a promessa de entregar mais uma jornada repleta de sustos e ação. Sim, podemos dizer que o elemento ação veio para ficar na série, mas sem deixar de lado aquilo que sempre definiu Resident Evil: o survival horror.

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Lançado em 27 de fevereiro, Resident Evil Réquiem foi muito bem recebido pelos fãs e demais jogadores, que rapidamente inundaram as redes sociais com suas impressões. É até curioso perceber como a franquia ainda consegue manter tamanha relevância depois de tantos anos.

Nesse novo capítulo estamos no controle da novata Grace Ashcroft e do veterano Leon S. Kennedy, enquanto tentamos descobrir quem é o responsável por uma série de assassinatos misteriosos envolvendo ex-residentes de Raccoon City – e os motivos por trás dessas mortes.

E como já estou com algumas horas de Resident Evil Réquiem, absorvendo cada momento da jogatina enquanto avanço pelo jogo, achei que era uma boa hora de vir aqui compartilhar com vocês as minhas primeiras impressões.

Bem, chega de enrolação.

Pegue sua lanterna e me acompanhe.

O survival horror

Uma das reclamações constantes sobre Resident Evil ao longo dos anos, além de terem abandonado a câmera fixa – que ao meu ver não faz falta nenhuma – é o survival horror. O título ganhou mais ação e passou a consistir muito mais em enfrentar os inimigos enquanto armado até os dentes do que propriamente evitá-los. Resident Evil Réquiem, por outro lado, faz o inverso: ele abraça os dois elementos e os divide dentro de um mesmo jogo.

De maneira obrigatória você beberá do puro suco do survival horror quando estiver jogando com Grace, se vendo percorrendo o cenário com pouquíssimos recursos e um inventário restrito, o que te força a fazer um gerenciamento dos itens que carrega e tentar evitar o combate na medida do possível. Ela também é fisicamente mais fraca que Leon, então embates corpo a corpo não são a melhor opção – algo que descobri bem cedo enquanto jogava com ela.

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Eu te garanto que você ficará tenso durante as sessões em que jogará com Grace, principalmente ao topar com inimigos especiais que você precisa evitar para preservar recursos. Vou compartilhar com vocês que não esperava morrer logo no começo, mas por hábito acabei indo para o confronto direto e fiquei espantado ao ver que esses inimigos especiais são verdadeiras esponjas de bala. Claro, Grace utiliza uma pistola, então o seu dano é moderado.

Uma coisa que gostei bastante nesse jogo é que os zumbis não são mudos. Eles possuem vozes e estão replicando comportamentos de quando ainda estavam vivos, o que transforma completamente a atmosfera do jogo. Um dos momentos que mais me surpreendeu foi uma empregada presa em um banheiro que está limpando freneticamente um espelho, lambuzando-o de sangue. Uma cena realmente aterrorizante.

Percebo que Resident Evil Réquiem consegue nos ganhar nos detalhes, pois ele vai construindo uma atmosfera opressora, onde nenhum canto é realmente seguro, nem mesmo aquele onde você derrotou um zumbi, que pode simplesmente se transformar em uma versão mais mortal do que a que enfrentou antes. Essa insegurança realmente consegue impactar o jogador.

Jogando com Leon

Fica evidente logo no primeiro momento em que controlamos Leon no prólogo do jogo que seu gameplay é mais focado no combate e pensado para ser mais direto ao ponto, sem nos preocuparmos tanto com puzzles. Enquanto você se esgueira com Grace, com Leon você parte para o ataque e usa tudo o que tem para derrubar o que surgir em sua frente. O jogo também muda nesse aspecto: o volume de inimigos que enfrentamos com Leon é muito maior do que aquele enfrentado por Grace.

O Leon desse jogo é mais velho e até um pouco divertido, usando frases engraçadas como “fiz o cardio do dia” ao derrotarmos uma leva de zumbis.

O inventário do personagem também é muito maior, no estilo maleta, como o de Resident Evil 4, o que possibilita carregar muito mais itens e se preocupar menos com gerenciamento de recursos. Como disse no parágrafo acima, a preocupação aqui é derrotar os inimigos e avançar na história. O que não significa que seja uma tarefa fácil, pois exigirá do jogador movimentos rápidos e um bom uso do sistema de parry.

Vale a pena mencionar como o parry nesse jogo é essencial e permite evitar quase todo tipo de dano dos inimigos, desde aqueles que fazem uso de arma branca até os que utilizam motosserras.

Terceira ou primeira pessoa?

Durante o lançamento do jogo foi comentado que, ao jogar com Grace, o recomendado era utilizar a primeira pessoa, e com Leon, a terceira pessoa. Isso acontece por conta de como são distintos os seus gameplays. Grace lida com ambientes escuros e com inimigos espalhados pelo cenário, além de ser mais fraca, o que exige que você ande de maneira furtiva grande parte do tempo, enquanto com Leon é o oposto.

No meu ponto de vista, Resident Evil precisa ser jogado em terceira pessoa. Por mais que Resident Evil Village tenha sido um bom título, ele posteriormente recebeu um modo em terceira pessoa. O que, ao meu ver, oferece uma imersão muito maior do que jogar em primeira pessoa. Talvez por estar acostumado com outros jogos, quem sabe.

Andar de maneira furtiva com Grace foi uma experiência muito melhor em terceira pessoa do que em primeira. Por exemplo: durante o prólogo em que estamos fugindo de uma criatura que vive na escuridão, Grace tropeça enquanto corre devido ao desespero. Se você jogar essa cena em primeira pessoa, isso não acontece. Notar esse desespero na personagem enquanto fugia foi muito mais imersivo, sem sombra de dúvida.

Mudanças

Resident Evil Réquiem volta com as plantas depois de terem sido abandonadas em Resident Evil Village. O seu retorno deixa de lado as variações azul e vermelha – temos apenas a verde – e o seu modo de uso é por meio de um injetor que pode ser utilizado rapidamente. Enquanto utilizamos, o personagem continua se movimentando, mas de uma maneira mais lenta. O que é importante, pois ainda nos dá um respiro para tentar nos desvencilhar dos inimigos.

Entre as novidades temos o modo de salvamento clássico em que podemos utilizar os Ink Ribbons e também um sistema moderno. Temos salvamento automático e também salvamentos nas máquinas, e isso pode ser feito a qualquer momento durante uma sala de descanso. Essa opção dos Ink Ribbons é muito bem-vinda para aqueles que gostam de se desafiar ao tentar fechar o jogo sem salvar nenhuma vez.

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Uma mecânica não tão nova, mas inserida em um contexto interessante, é o uso do sangue deixado espalhado pelo cenário. No começo do jogo, Grace pega um coletor de sangue que permite que ela crie munição para as armas e um injetor hemolítico, que é capaz de explodir o inimigo em mil pedaços rapidamente. Sendo muito útil para lidar com inimigos especiais no jogo. Além disso, você também precisa gerenciar quando criar determinado item, pois o injetor possui um limite de carga, então pense bem antes de criar algo.

Entre as mudanças, acho que a mais notável é a questão dos puzzles, que agora são mais diretos ao ponto e um número menor. Colete três peças, descubra a ordem dos símbolos e assim por diante. Na medida que você avança pelo cenário, consequentemente vai encontrando os itens que permitem ter acesso a determinadas áreas no momento correto. O sistema de mapa ajuda muito a se localizar e você se verá avançando em um bom ritmo sem ficar empacado.

Graficamente falando

Resident Evil Réquiem é belíssimo e rodou lindamente no Xbox Series S, que apesar de ser um console que é alvo de críticas de gente desocupada, podemos dizer que recebeu uma versão muito bem otimizada. Não enfrentei qualquer queda de frame ao longo da jogatina, mesmo em momentos em que criaturas se amontoavam em cima do personagem.

A iluminação merece destaque, principalmente em ambientes escuros onde a lanterna do personagem revela lentamente corredores apertados, objetos abandonados e manchas de sangue espalhadas pelo cenário. Esses pequenos detalhes ajudam muito a construir a atmosfera opressora que o jogo tenta transmitir.

Sendo bem franco com vocês, só sendo alguém realmente chato para se prender a diferenças mínimas entre uma versão e outra. Muito da beleza do jogo vem do excelente trabalho da Capcom com seu motor gráfico, algo que já vimos em outros títulos recentes da empresa, sempre muito bem otimizados.

Se você assistir a um vídeo de comparação gráfica entre as plataformas, vai perceber que as diferenças são pequenas e dificilmente afetariam a experiência de quem está jogando. No caso de Resident Evil Réquiem, o conjunto visual e sonoro trabalha muito bem para manter o jogador imerso, transformando cada ambiente em um espaço tenso e cheio de detalhes.

Conclusão

Resident Evil Réquiem talvez seja o melhor jogo moderno da franquia até agora. Ele mescla dois estilos de jogo em um só, e o resultado é uma experiência equilibrada e satisfatória para o jogador. O título conta com localização em português e uma dublagem que só reforça o cuidado que a Capcom tem com seus jogos ao trazê-los para o Brasil.

O jogo não reinventa a roda, mas tudo é conduzido por um fio narrativo que prende a nossa atenção e nos faz querer descobrir qual será o destino que aguarda nossos protagonistas – e também aqueles que estão por trás de todo esse caos.

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Tudo isso é acompanhado por uma jogabilidade divertida e criaturas que conseguem manter o jogador constantemente em alerta, criando aquela sensação de perigo que sempre foi uma das marcas registradas da série.

Como amante de videogames – e principalmente da franquia Resident Evil – posso dizer que fiquei bastante satisfeito com Resident Evil Réquiem. É um jogo que entrega exatamente aquilo que promete: tensão, ação e uma aventura que honra o legado da série.

Nota: 9.0

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Resident Evil Requiem está disponível no PlayStation 5, Xbox Series X/S, Nintendo Switch 2 e PC (via Steam e Epic Games Store). Esta análise foi feita com uma chave da versão de Xbox Series S|X, gentilmente cedida pela Capcom.

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No PSP, apareceu como Street Supremacy, por questões de licença no Ocidente, e no Xbox 360 recebeu o nome de Import Tuner Challenge, publicado pela Ubisoft. Depois disso, a série praticamente sumiu. Foram anos de silêncio até que a Genki decidiu trazê-la de volta com Tokyo Xtreme Racer, lançado primeiro no PC e agora chegando ao PS5.

O curioso é que esse retorno não tenta reinventar a fórmula. Ele entende exatamente o que fez a série funcionar lá atrás e constrói em cima disso.

Como o jogo funciona

Diferente da maioria dos jogos de corrida modernos, aqui você não escolhe um evento num menu e parte para uma corrida fechada. Você entra na autoestrada e simplesmente dirige. Os adversários estão lá, circulando. Para iniciar um duelo, basta piscar o farol alto. É simples e direto.

Quando o desafio começa, entra o sistema clássico de barra de energia. Não é sobre cruzar uma linha de chegada primeiro, e sim sobre manter pressão. Quem fica atrás perde energia, e quanto maior a distância, mais rápido essa barra drena. A corrida vira um confronto constante, quase como um jogo de luta sobre rodas, em que cada erro pesa imediatamente.

O ciclo é o mesmo que consagrou a franquia: você vence rivais, ganha CP (dinheiro) e BP (Battle Points), melhora o carro e volta para a estrada. A diferença agora é que tudo roda a 60 FPS estáveis no PS5, o que faz enorme diferença na sensação de velocidade e na precisão dos duelos. Mesmo não sendo um jogo de orçamento gigantesco, ele é visualmente sólido e muito competente tecnicamente.

Progressão e Árvores de Perks

A maior mudança estrutural está no sistema de progressão. O jogo organiza os desbloqueios em quatro árvores distintas:

• Machine – libera carros para compra, mesmo que você já tenha dinheiro suficiente.
• Tuning – desbloqueia peças e upgrades mecânicos.
• Driver – melhora atributos do piloto e libera habilidades equipáveis para as corridas.
• Perks – melhorias gerais, como desconto em compras, aumento de limite de CP e BP, mais espaço na garagem e teleporte entre garagens.

No papel, parece um sistema aberto e flexível. Na prática, ele é mais travado do que parece. Muitos perks só ficam disponíveis depois que você derrota corredores específicos, que aparecem conforme a campanha avança. Isso cria momentos em que você acumula dinheiro e pontos, mas simplesmente não tem onde investir. A progressão acaba acontecendo em blocos, quando um rival importante é vencido e vários desbloqueios surgem de uma vez.

Não chega a arruinar o jogo, mas quebra um pouco o ritmo natural que a série sempre teve.

Customização e Tuning

Se por um lado a progressão tem amarras, a parte de customização é um dos pontos mais fortes. Na estética, o jogo entrega tudo o que se espera: pintura, neon, fibra de carbono, adesivos, rodas e ajustes visuais que permitem montar um carro com personalidade própria, no mesmo espírito de um Need for Speed.

O diferencial, porém, está no tuning mecânico. Não é apenas instalar uma peça e ver o número subir. Você pode ajustar cambagem, altura da suspensão, offset, largura dos pneus, transmissão, freios e até o diferencial autoblocante (LSD). O próprio jogo explica, de maneira clara, o que cada regulagem faz. Se você aumenta a cambagem negativa, por exemplo, melhora o contato lateral em curvas, mas pode prejudicar desempenho se exagerar. São explicações curtas, objetivas e fáceis de entender.

Isso muda de fato a dirigibilidade. O carro responde diferente, exige adaptação e, mais adiante na campanha, regular bem deixa de ser luxo e vira necessidade. O único ponto que faria diferença seria a inclusão de setups prontos por carro, porque cada troca exige um tempo considerável ajustando tudo novamente.

Corridas, Ambientação e Ritmo

As autoestradas de Tóquio são o verdadeiro protagonista. Mesmo sendo sempre à noite, a iluminação é muito bem trabalhada, com reflexos no asfalto e túneis que ajudam a criar uma atmosfera consistente. Não é um espetáculo gráfico de última geração, mas está longe de ser feio. Com um pouco mais de marketing, poderia facilmente ser confundido com um título grande da geração passada.

Diferente de jogos como The Crew Motorfest, que apostam em festivais, personagens conversando e uma estrutura quase cinematográfica, aqui o foco é corrida pura. A história existe, mas é contada por meio de silhuetas com nomes e diálogos breves. Você é um piloto novo na cidade e, aos poucos, vai derrotando membros de equipes até ganhar reputação.

Funciona porque não tenta ser maior do que precisa.

A estrutura das noites é interessante: você entra na pista, enfrenta o máximo de rivais possível, pode parar em garagens para ajustes temporários e depois retorna à base para investir no carro. O problema é que, às vezes, depois de derrotar um alvo específico, você passa longos minutos dirigindo sem encontrar novos adversários. Falta um sistema de deslocamento mais ágil desde o início para manter o ritmo constante.

Gráficos

O novo Tokyo Xtreme Racer roda na Unreal Engine 5. Uma escolha meio preocupante pois sabemos dos problemas e requisitos para rodar um jogo feito nessa engine. Porém aqui tudo é bastante otimizado. O game roda lisinho e toda parte gráfica é excelente. Andar pelas ruas de Tóquio em 60 FPS, vendo iluminação dinâmica dos postes e das lanternas dos carros é muito legal.

A parte do design dos menus também está muito boa. Embora foram os menus cheios de neon, típicos dos jogos da época do Xbox 360. Agora temos menus limpos e clean, mostrando exatamente onde está cada opção, tanto na garagem quanto no menu do mapa durante as corridas.

Infelizmente o escopo do projeto envolveu algumas escolhas. Não temos mais chuva no game, algo que esteve presente no jogo anterior para o console da Microsoft lançado há mais de dez anos. Também não temos mais a câmera interna dos carros, mostrando os painéis e o volante. Foi uma decisão que deve ter tido seus motivos, afinal o jogo não seria lançado primeiramente em early access à toa. Porém, a chuva pelo menos faz falta, pois ficaria lindo nesse novo jogo.

Como curiosidade, encontrei um bug ao correr em alta velocidade na contramão (algo que o jogo COM CERTEZA não quer que você faça) e o resultado foi isso aí abaixo haha:

Parte Sonora

A trilha sonora flerta levemente com o espírito do Eurobeat popularizado por Initial D, mas constrói uma identidade própria. O foco está em músicas eletrônicas com clima noturno, quase de balada urbana, que combinam perfeitamente com a sensação de cortar as vias expressas de madrugada. A maioria (se não todas) as músicas consistem de remixes de temas anteriores da série, então se você é fã antigo, capaz que essa nostalgia extra te deixe bastante feliz.

Existe uma vibração específica ali, uma vontade de fazer parte daquele mundo. Algo que muitos jogos de corrida atuais perderam ao focar demais em eventos grandiosos e personagens excessivamente presentes.

No meu caso, após ficar rodando tanto na pista, achei que as músicas ficaram um pouco repetitivas, então eu diminuí o áudio, deixando somente o som dos carros e foi uma experiência bem legal também.

Veredito

O novo Tokyo Xtreme Racer é um retorno extremamente competente. Ele não tenta competir com superproduções nem reinventar o gênero. Ele simplesmente entrega corrida direta, duelos tensos e um sistema que recompensa habilidade e consistência.

A progressão poderia ser mais fluida, o ritmo das noites poderia ser melhor ajustado e algumas melhorias de qualidade de vida fariam diferença. Ainda assim, é um jogo que entende sua identidade e executa essa proposta com segurança.

Depois de tantos anos, ver a série voltar nesse nível é surpreendente. E mais do que isso: é um sinal de que ainda há espaço para jogos de corrida que priorizam atmosfera, mecânica e foco absoluto na experiência de dirigir.

Nota: 9.0

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Tokyo Xtreme Racer está disponível no PC via Steam e no PlayStation 5. Esta análise foi feita com uma cópia da versão de PS5, gentilmente cedida pela Genki.

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Lembro do meu saudoso pai alugando o Super Bomberman 4 de SNES na locadora, uma versão japonesa original que por algum motivo tinha na locadora Planet Games, perto da minha casa.

Depois de jogos em várias plataformas ao longo dos anos, até mesmo com lançamentos originais saindo até pouco tempo, a Konami — que adquiriu a produtora original, Hudson Soft — surpreendeu a todos soltando uma coletânea com todos os jogos da série lançados para o Super Nintendo (além dos dois primeiros games de NES).

Os títulos inclusos são:

• Super Bomberman
• Super Bomberman 2
• Super Bomberman 3 (antes lançado somente na Europa e Japão)
• Super Bomberman 4 (antes lançado somente no Japão)
• Super Bomberman 5 (também lançado somente no Japão)

Jogos bônus:

• Bomberman (NES)
• Bomberman 2 (NES)

Será que esse lançamento é bem feito e vale sua graninha em troca de nostalgia? Vamos ver.

Jogabilidade

A jogabilidade da série Bomberman consiste em andar pelo mapa com o seu Bomber, destruindo os inimigos da CPU até encontrar a saída da fase. Todos os jogos dessa era seguiam esse padrão, com algumas mudanças de itens aqui e ali.

Outro modo de destaque — e talvez o de maior sucesso entre a garotada — era o modo Battle, onde quatro (ou mais, dependendo da versão) jogadores poderiam se digladiar numa arena até só sobrar um vivo.

Ambos os modos estão presentes em todos os jogos de Super Nintendo (Super Bomberman 1 ao 5) e a diferença entre eles é pouca, mudando mais a estética e uns pequenos detalhes. É notório que cada jogo é uma pequena evolução do anterior, e não há problema nisso.

Exclusivo dessa coletânea temos o modo Boss Rush, onde o jogador tem vidas limitadas para passar de todos os chefes de cada jogo e acredite: muita gente vai deixar de platinar a coleção por isso. Eu mesmo tentei e o negócio é difícil demais.

As trilhas sonoras dos games, principalmente as músicas do quarto jogo, são muito bacanas, quase todas compostas por June Chikuma, uma compositora que basicamente fez sua carreira em games na série Bomberman nessa época.

Apresentação

Um destaque merecido para Super Bomberman Collection é a sua apresentação visual. Produzida pela Red Art Games (sim, galera, uma empresa grande como a Konami não ia produzir uma coletânea de jogos de 30 anos atrás dentro do seu próprio prédio), o visual dos menus é excelente.

Além dos games em si, temos como ouvir a trilha sonora dos jogos e ver algumas artes de cada jogo.

Mas o destaque fica para a seleção dos jogos em si. Escolhemos os jogos pelas caixas deles, onde podemos abri-las e retirar o cartucho de dentro, além de ler o manual ali mesmo.

Inclusive, cada game tem sua caixa em 3D, além de um modelo 3D do cartucho de cada jogo, seja a versão americana, europeia e japonesa. Todas elas sem remover as referências à Nintendo, mesmo nas versões de PS5 e Xbox Series S|X.

Aliás, sobre as versões, é importante destacar que tanto Super Bomberman 4 quanto Super Bomberman 5 nunca foram lançados oficialmente no ocidente, e estão recebendo traduções em inglês (oficiais) pela primeira vez nessa coletânea. Inclusive já tem roms delas circulando por aí mas deixa quieto…

Outra coisa bacana é que os jogos foram editados para mostrar os botões de cada console, então não estranhe ver um botão Options do PS5 aparecer no menu de um jogo de Super Nintendo lançado em 1993.

Esses detalhes, como os menus bem animados e traduzidos, os cartuchos 3D, a não-remoção das referências à Nintendo e a edição direta das roms mostram que a Red Art teve um cuidado gigante com a franquia, além de trazer a estética japonesa dos lançamentos originais, mesmo eles sendo um estúdio ocidental.

Fica também de exemplo para empresas nacionais como a QuByte, que apesar de estar melhorando em suas coletâneas, não faz um trabalho sequer perto da qualidade dessa coleção dos jogos de Bomberman.

Veredito

Super Bomberman Collection nos traz de forma acessível 7 jogos cruciais na história da série Bomberman. Como é uma coletânea focada nos games de SNES, ficaram de fora alguns lançamentos como as versões de PC Engine e Mega Drive, além dos jogos mais fora da curva, como os games de Gameboy e a única versão para arcade, feita para o Neo Geo.

Obviamente que não era o foco aqui e é bom que eles tenham fechado o pacote em 7 jogos, ainda mais que dois deles são os primeiros dois games de NES que vieram de bônus.

Caso você lembre de Super Bomberman da sua infância ou queira apresentar uma série colorida e diferente pro seu filho(a), recomendo fortemente que comece por aqui.

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Esta análise de Super Bomberman Collection foi feita com uma cópia gentilmente cedida pela Konami. O game está disponível para PlayStation 5, Switch, Switch 2, Xbox Series S|X e PC (Steam).

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As primeiras horas aqui são fortes. A apresentação é impactante, as lutas têm peso e o jogo faz questão de deixar claro que está trabalhando com o arco final da obra, algo que naturalmente carrega mais tensão.

Logo no começo você sente que ele quer ser grande. Cinemático. Dramático. E em vários momentos ele consegue. Mas conforme as horas passam, começam a aparecer as camadas menos polidas.

Será que no fim vale a pena? Vamos descobrir

Sistema de Combate – Bonito, acessível… e repetitivo

O combate é claramente pensado para ser acessível. Você aprende rápido, entende os padrões com facilidade e consegue fazer coisas visualmente impressionantes sem precisar dominar comandos extremamente técnicos. O que é muito positivo ai meu ver.

Existe gerenciamento de barra, habilidades especiais, suporte de equipe e momentos de virada que funcionam bem. As ativações de Plus Ultra são um espetáculo à parte. São animadas, exageradas e muito fiéis ao anime.

Posso dizer que o problema definitivamente não está no começo.

Depois de algumas horas, você percebe que o jogo trabalha muito em cima de estruturas repetidas. Combos básicos se repetem. Estratégias começam a ficar previsíveis. As lutas mais importantes são visualmente intensas, mas mecanicamente não se diferenciam tanto quanto deveriam.  Não é um sistema ruim, mas também não tem qualquer profundidade.

Ele funciona melhor como espetáculo do que como um desafio técnico.

O ritmo do combate

Existe um detalhe em My Hero Academia: All’s Justice que começou a me incomodar com o tempo:  o ritmo.

Algumas animações são longas demais. Certos golpes interrompem a fluidez da luta para exibir efeitos que são lindos nas primeiras vezes, mas cansativos depois da décima repetição. Chega uma hora que você fica meio saturado, porque o jogo quer ser cinematográfico o tempo todo. Só que cinema e fluidez de gameplay nem sempre andam lado a lado.

Há momentos em que você sente que está assistindo mais do que jogando. Em um jogo baseado em confrontos intensos, isso pode quebrar o envolvimento.

Quantidade não é tudo

O número de personagens em My Hero Academia: All’s Justice é grande. Muito grande. E isso ajuda bastante a manter o interesse. Testar estilos diferentes, experimentar variações de equipe e explorar personagens menos óbvios é uma das partes mais divertidas do jogo.

Mas aqui aparece outro problema comum em jogos de anime: quantidade não significa profundidade.

Muitos personagens acabam compartilhando estruturas parecidas de funcionamento. Mudam animações, mudam efeitos visuais, mas a base mecânica é muito próxima.

Isso não invalida a diversão, mas limita a longevidade competitiva.

Modo História e o conteúdo

O modo história de My Hero Academia: All’s Justice é claramente o coração do jogo.

Ele tenta recriar momentos importantes com peso dramático, e em vários trechos funciona muito bem. Algumas batalhas têm energia de clímax real. A trilha ajuda, a direção de câmera ajuda e a construção do confronto é eficiente.

Mas a organização deixa a desejar. Existem cortes abruptos. Algumas transições acontecem rápido demais. Certos confrontos começam quase sem preparação. E há picos de dificuldade que parecem surgir do nada. Sério, existem combates em que você quase não consegue muita coisa, porque a dificuldade está muito elevada.

Por outro lado o jogo oferece bastante conteúdo. Modos adicionais, desafios paralelos, batalhas extras. No papel, isso é excelente.

Na prática, parte desse conteúdo sofre com repetição. Missões seguem padrões semelhantes, objetivos se repetem e o incentivo para continuar depende mais do apego ao universo do que da variedade.

Você se vê jogando mais porque gosta dos personagens e não necessariamente porque a estrutura é inova de maneira divertida.

Cenário e localização

Visualmente My Hero Academia: All’s Justice, alterna entre momentos muito fortes e outros mais simples, onde podemos ver que os personagens são bem modelados. As expressões funcionam e os efeitos especiais são exagerados na medida certa.

Mas alguns cenários parecem vazios demais. Certas áreas passam sensação de pouca vida. E em momentos muito caóticos, a tela pode ficar visualmente poluída.

Nada que quebre completamente a experiência, mas também nada que impressione.  No entanto, se tem algo que impressiona é a falta de localização em português do jogo.

Aqui não tem muito o que discutir.

A ausência de localização em português é um erro. Estamos falando de uma franquia extremamente popular no Brasil. Ignorar esse público em um lançamento desse porte é algo que incomoda.

Não é impeditivo para jogar, mas é um ponto negativo claro.

Vale a Pena?

Depois de um tempo considerável com My Hero Academia: All’s Justice  a sensação que fica é que ele entrega um belo espetáculo visual, como momentos empolgantes que respeita o material original, mas sem evoluir a formula de jogos de anime de área.

Existe base para algo mais profundo. Existe potencial para um sistema mais refinado. Existe espaço para um ritmo melhor ajustado, mas ele não vai muito além.

Mesmo assim eu me diverti. Principalmente quando parei de esperar algo revolucionário e aceitei o jogo pelo que ele é: uma celebração jogável do arco final de My Hero Academia.

Se você é fã da franquia, com certeza vale a pena o titulo..

Você vai reconhecer momentos, vai gostar das ativações especiais, vai curtir montar equipes e reviver confrontos importantes.

Se você procura um jogo de luta extremamente técnico, competitivo e profundo, talvez ele não seja o ideal.

Ele não redefine o gênero, mas também não é um fracasso. É um jogo que funciona melhor quando você já está emocionalmente envolvido naquele universo. E isso, dependendo do jogador, pode ser mais do que suficiente.

Nota: 7.5/10

Esta análise foi feita com uma cópia do jogo para Xbox Series S|X gentilmente cedida pela Bandai Namco. My Hero Academia: All’s Justice está disponível para PlayStation 5, Xbox Series X|S e PC (via Steam).

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Após jogar o incrível — e falho — Need for Speed: Most Wanted no PC, eu prometi a mim que o próximo da série a jogar seria a sua sequência direta: Carbon.

Lançado em 2006 e com gráficos ligeiramente melhores e a volta à pegada noturna de NFSU, Carbon eliminava as travas de progressão que estragaram Most Wanted, transformando o jogo num sistema de domínio de área, onde você deve ganhar corridas e eventos nesses lugares para dominá-los. Boa pedida pra jogo, tudo certo. Mas aí eu fui lá e baixei o port de PSP. LOL.

A ideia era que eu queria dar um uso pro meu Vita, e como eu sempre jogo ele antes de dormir, um joguinho de corrida seria uma ótima pedida, principalmente em relação a jogos de RPG que exigem de mim uma dedicação que meu eu cansado de trabalhar não iria conseguir entregar às 10 PM.

Agora imagine que Need for Speed Carbon: Own the City (subtítulo exclusivo da versão portátil), é um jogo BEM DIFERENTE da versão principal. E talvez MELHOR? Vamos ver.

História: O Drama Familiar

Diferente da versão de console, aqui o buraco é mais embaixo. Você não é o cara do PS2, que venceu as corridas em Rockport no jogo anterior (Most Wanted); aqui você é o irmão do líder de uma gangue local que morre em um acidente misterioso causado por um carro desconhecido.

Você acorda no hospital, descobre que seu irmão já era e agora precisa montar uma nova equipe com os antigos parceiros e a ex-namorada dele. O objetivo? Ganhar reputação, dominar a cidade e descobrir quem foi o desgraçado que matou seu irmão. Para um spin-off de corrida, a história é surpreendentemente emocional e interessante.

Comparativo: Console vs. Portátil (Pensamentos do Horo Joga)

Não dá pra negar que são jogos bem diferentes com o mesmo nome. A cidade, o mapa, as corridas, os carros, as customizações, a direção e todo o resto são completamente diferentes um do outro, e isso porque não estamos incluindo as versões de Nintendo DS e Zeebo aqui (graças à Deus).

Segue abaixo uma pequena tabela resumindo umas pequenas diferenças:

O tal do Autosculpt é uma ferramenta da versão de console onde você pode modificar as dimensões das modificações de peças visuais do carro, como tamanho de aerofólio e tudo mais. No PSP, a customização é simples, no mesmo nível do NFSU.
Fora isso, infelizmente a versão de PSP não tem eventos de drift, e a verticalidade das pistas é quase nula, com poucos viadutos e até mesmo a notável ausência de atalhos nas corridas é algo a ser lembrado de forma negativa na versão portátil.

O Diferencial: O Sistema de Crew

O que realmente separa o OTC de outros jogos de corrida é o sistema de Crew (Equipe). Em cada corrida, você tem um parceiro que pode te ajudar de forma ativa ou passiva. Você tem uma barra para cada membro da equipe (no máximo 2), que vai carregando conforme você corre. Ao encher, você pode chamá-lo para causar o efeito baseado na sua habilidade, que são essas abaixo:

Funções na Pista (Roles)

Esses são os caras que estão com você no asfalto e que você ativa durante a prova:

• Brawler: O “segurança da boate”. Ele foca em um oponente e vai pra cima para bater, jogar no muro ou forçar o cara a parar. É um por vez, mas ajuda muito a tirar aquele rival chato da frente.

• Drafter: O cara do vácuo. Ele se posiciona na sua frente criando um túnel de vento (slipstream) para você ganhar velocidade extra. Estilo Fórmula 1, perfeito para retas.

• Assassin: O terror da pista. Ele joga um tapete de pregos bem na frente do oponente alvo. Se o cara passar por cima, já era, fica pelo caminho.

Especialidades (Specialties)

Aqui são os bônus passivos que a sua equipe garante só de estarem com você:

• Fixer: O cara dos contatos. Ele garante recompensas adicionais (grana e reputação) em todos os eventos que você participa. Se quer subir de nível rápido e encher o bolso, ele é essencial.

• Mechanic: Aquele trato no motor. Melhora o desempenho geral do seu carro durante as corridas. É a vantagem técnica que você precisa quando o carro dos adversários começa a ficar rápido demais.

Esse sistema de Crew funciona bem, apesar da minha desconfiança inicial ao começar a jogar. É bem legal chamar um parceiro para usar o drafting (pegar vácuo) e ainda usar o Nitro ao mesmo tempo, praticamente duplicando a velocidade do seu carro. Já as skills de atacar os carros inimigos funcionam bem, ainda que a sensação de impacto dessas batidas não chegue nem perto de um Burnout.

Aliás, alguns eventos são focados em batidas, mas o feedback visual é nulo: você só vê uma barrinha em cima do carro adversário diminuir, e quando ele “morre”, o carro pisca e sai da pista. Parece algo feito às pressas e que não casa muito bem com o resto do design fluido do jogo todo.

Trilha Sonora: O “Suco” de EA dos Anos 2000

A trilha sonora é um mix de tudo que representava os anos 2000, indo de Rock a Hip-Hop e Eletrônico que a EA adorava fazer na época e que, por incrível que pareça, funciona muito bem para dar o clima de corrida clandestina. Temos músicas como ‘Joker & The Thief’ do Wolfmother, que já virou praticamente o hino da franquia, mas a variedade aqui é o que surpreende para um jogo de portátil.

Você tem desde o Stoner Rock pesado do Kyuss com ‘Hurricane’, passando pelo Grime britânico da Lady Sovereign em ‘Love Me Or Hate Me’, até Synth-pop de Gary Numan com ‘Are Friends Electric?’.

As músicas preenchem bem a parte sonora do game, garantindo que a música não seja apenas um barulho de fundo, mas parte fundamental da experiência.

O Lado Ruim da Pista

Nem tudo são flores. Se tem algo que irrita é a falta de variedade. Você vai ver as mesmas ruas e prédios o jogo inteiro. Isso sem falar que essas mesmas ruas são o exato MESMO MAPA do Most Wanted de consoles, com algumas adaptações e se passando à noite. Eles acharam mesmo que ninguém iria perceber.

Visualmente, não espere milagres, mas é um jogo bem bonito para o PSP, e em termos de jogos de corrida, ele fica atrás somente do Gran Turismo, que tem outro escopo e talvez não seja tão comparável. A sensação de velocidade em NFC:OTC é bem maior que no Gran Turismo de PSP, compensando assim os gráficos mais simples.

Algumas vezes a progressão fica travada por seu carro ser fraco pro evento, e como os upgrades não passam de um carro pro outro, a troca de carro envolve jogar corridas que foram deixadas pra trás ou rejogar eventos anteriores, somente para conseguir fundos para comprar os mesmos upgrades para seus carros novos.

É um grinding meio chatinho, mas não é algo tão devastador e também não vejo uma solução melhor do que simplesmente dar os mesmos upgrades que você já havia comprado para os outros carros — como em NFSU –, mas aí isso quebraria a progressão também, exigindo todo um rebalanceamento de dificuldade.

Já sobre o  tal mundo aberto do jogo não é obrigatório; você pode — e deve! — dar pause e escolher o evento que queira jogar. A motivação de explorar as ruas sem ser em eventos, é para pegar caixas espalhadas pela cidade. São 30 delas, que liberam mais grana ou artworks do jogo. Caso não seja um complecionista, pode apenas ignorar e avançar para os eventos diretamente pelo menu.

Veredito

Need for Speed Carbon: Own the City é uma prova de que a EA sabia fazer portáteis de respeito antigamente. Ele consegue ser mais longo que o jogo de console e entrega um mundo aberto honesto no PSP/Vita. A estética é maravilhosa também, sendo até mesmo mais bonito que a versão de consoles, dada as devidas comparações de qualidade gráfica.

Prós:

• História superior e mais emocionante que a do console;

• Sistema de Crew com poderes é muito divertido;

• Mais longo que a versão de PS2;

• Performance lisa, sem engasgos.

Contras:

• Cenários repetitivos e sem inspiração;

• Grinding necessário para bater os últimos eventos

Nota: 7.5/10

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Dentre os produtos Zeenix, eis que um em específico me chamou a atenção: o Joystick Zeenix Pro Controller. O interesse surgiu não somente por ser um controle de videogame (o que eu adoro), mas porque esse controle teria algumas funções muito interessantes, que eu só tinha visto até então em controles muito mais caros do que ele.

Após um belo tempo usando-o, eis que aqui estou para tentar fazer um review e passar as minhas impressões sobre esse produto da Tectoy.

O Joystick Zeenix Pro Controller foi gentilmente cedido pelo bolso da minha esposa, que me presenteou com ele no Natal. Obrigado, senhora esposa!

A compra do controle foi feita diretamente pelo site da Tectoy. A entrega levou aproximadamente uma semana (o que é demorado se comparado a um Mercado Livre ou a uma Amazon da vida), e o produto veio muito bem empacotado, o que garante que a caixa original do controle não seja danificada.

Isso pode parecer uma frescura, mas muita gente (eu incluso) se importa com a caixa do produto. Meu Mega Drive Tectoy, por exemplo, adquirido online de uma loja varejista grande, foi enviado na própria caixa do produto, e colaram as informações de entrega diretamente na fucking caixa. Pensa em uma pessoa puta quando o produto chegou.

A caixa do controle é esteticamente bonitinha e tem como conteúdo o controle em si (que vem em um berço simples), dois restritores para os analógicos (mais informações sobre isso ao longo do texto), um add-on para o D-pad (mais informações sobre isso também ao longo do texto), um cabo USB para carregamento do produto e o manual.

O controle em si é muito bem construído, todo em plástico liso, com exceção da parte de trás, onde o seguramos, que possui uma texturização no próprio plástico. O design é bem minimalista, sendo todo em preto, com exceção dos restritores dos analógicos e dos botões, que seguem o padrão de cores do controle do Neo Geo CD. A logo da Tectoy no meio do controle e a logo do Zeenix no botão de liga/desliga fecham a parte visual.

Também na parte frontal do controle estão os óbvios botões universais de “start” e “select” (os nomes não são mais universais, mas as suas funções básicas, sim).

A posição dos analógicos segue o “padrão PlayStation”, ou seja, ambos na parte inferior do controle. Pessoalmente, prefiro assim. A posição “Cerveró” dos analógicos nunca encaixou muito bem nas minhas mãos.

Os analógicos em si são clicáveis (também funcionam como botões), confortáveis, precisos e possuem Hall Effect, ou seja, nada de drift ao longo do tempo de uso. Pessoalmente, eu sempre uso protetores de analógico por questões de preservação do material do analógico em si, mas, considerando a usabilidade, neste controle, não os considero necessários.

O D-pad é muito bom, o que é inacreditavelmente difícil de achar em controles mais “genéricos”, por motivos que eu jamais compreenderei. Aliás, essa foi uma reclamação minha em textos sobre controles da IINE e da QRD. Ele não é duro demais, não demanda força excessiva para ser ativado e as diagonais funcionam sem problema algum.

Há a opção de encaixar um add-on ao D-pad para quem não gosta do padrão em cruz. Ele se encaixa ao D-pad do controle por meio de um ímã, o que é muito prático e funcional. A força do ímã é consideravelmente forte, garantindo que esse periférico não vai se soltar de forma alguma ao longo da jogatina.

O painel frontal do controle é uma peça única e pode ser removido. Ele também é preso ao controle por ímãs fortes (é necessário um pouco de força para removê-lo). Para realizar as outras personalizações no controle, para além da do D-pad citada anteriormente, é necessário remover o painel frontal.

A primeira personalização é a dos restritores do analógico, que são os círculos amarelos da imagem abaixo. Eles ficam presos mecanicamente ao painel frontal do controle e possuem duas opções disponíveis: o restritor redondo e o octogonal.

Os restritores dos analógicos funcionam exatamente como os restritores de arcade sticks. O redondo deixa a movimentação do analógico completamente livre, enquanto o octogonal limita fisicamente a fluência total da movimentação, orientando-a para uma das oito bordas.

Pessoalmente, não gosto de restritores em analógicos, mas há pessoas que curtem, então é muito bom ver que a opção existe.

Os botões frontais (A, B, X e Y) são mecânicos, ou seja, possuem aquele clique delicioso ao serem pressionados. Além disso, são completamente personalizáveis. Uma vez que se retire o painel frontal do controle, é possível colocar qualquer um dos botões em qualquer outro local destinado aos botões frontais. Os botões também são presos ao controle por ímãs.

Considerando que o controle possui potencial conectividade com vários dispositivos, é muito interessante poder mudar a posição desses botões, pois assim o tutorial de um jogo no PC faz sentido, assim como o de um jogo no Switch. Atualmente, meu uso principal do Joystick Zeenix Pro é no Nintendo Switch, portanto o posicionamento dos botões segue o padrão do console. Isso é muito cômodo.

Ainda considerando a parte frontal do controle, o dongle para conexão também fica guardado dentro do próprio controle, o que é muito prático, dada a necessidade de transporte.

Os botões superiores do controle seguem a nomenclatura dos controles de Xbox (LB, RB, LT e RT). LB e RB são botões de clique simples e são mecânicos. Já LT e RT são gatilhos magnéticos com Hall Effect, o que garante que eles não percam precisão ao longo do tempo.

Os gatilhos também possuem um bom nível de personalização de uso. Na parte de trás do controle existem duas alavancas, uma para cada gatilho, com três níveis. Os níveis, neste texto, serão enumerados de baixo para cima.

O primeiro nível garante que o pressionar do gatilho vá até o fim de seu percurso, proporcionando mais controle e precisão da pressão a ser exercida.

O segundo nível mantém a função do botão como gatilho, mas o percurso físico do seu pressionar é cortado pela metade. Fisicamente, o botão trava na metade do caminho que o primeiro nível permite, mas sem perda de nenhum dos níveis de pressão do botão.

O terceiro nível faz com que LT ou RT funcionem como botões de clique, não apresentando níveis de pressão.

Essa personalização dos gatilhos é bem-vinda não apenas por uma questão de gosto do usuário, mas também porque garante que o uso do controle no Switch faça jus às características do console em si. O Switch não possui botões de gatilho em seus controles.

Ainda na parte de trás do Joystick Zeenix Pro, há dois botões de macro que podem ser mapeados conforme o gosto do usuário (M1 e M2). Pessoalmente, sempre deixo esses botões com as funções de clique dos analógicos, os famosos L3 e R3.

Também há um botão Reset na parte traseira do controle, que, como de costume, é embutido e demanda o uso de um clipe ou daquelas chaves de gavetinha de celular para ser acionado. Aliás, a caixa não inclui uma dessas chaves para o usuário acionar esse botão, o que, se não chega a ser um problema em si, é algo que poderia estar incluso.

Por fim, na base do controle há luzes indicadoras de pareamento e afins, o botão Back, que serve para navegação (e também para print de tela no Switch), e um botão de aplicação de turbo nos demais botões do controle.

Com relação à autonomia da bateria do controle, aqui está seu indiscutível ponto fraco. Se conectado via Bluetooth, o tempo estimado de jogatina é de apenas três horas. Se conectado via dongle, o tempo estimado de duração da bateria é de apenas quatro horas. Em estado de stand-by, o tempo estimado de duração da bateria é de aproximadamente uma semana.

Três ou quatro horas de jogatina é muito pouco, mesmo para um jogador casual, dependendo do perfil desse jogador.

Usei o controle em jogos de PC (na Steam e fora dela) e no Nintendo Switch, tanto utilizando o dongle quanto o Bluetooth. Em todos os casos, não notei delay de resposta dos comandos, e tudo funcionou muito bem.

No geral, o controle é muito bom. Bem construído, super personalizável, com Hall Effect nos analógicos e nos gatilhos, botões mecânicos deliciosos de usar, ótimo D-pad e com boa variedade de dispositivos aos quais ele pode se conectar. Infelizmente, dada a sua baixíssima autonomia de bateria, fica difícil recomendá-lo como controle principal para um jogador que não seja absolutamente casual.

Informação adicional: possuo alguns dispositivos que me permitem conectar controles modernos via Bluetooth a consoles old-school. Testei o Joystick Zeenix Pro Controller em alguns deles, e os resultados foram instáveis. Alguns desses dispositivos o reconheceram, outros não. Esse é um comportamento super comum e não deve ser considerado um ponto fraco.

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